¿Crisis = buen arte ?

BBC Mundo

La comunidad cultural británica advierte que los recortes de presupuesto que se apresta a imponer el gobierno para paliar la crisis económica se traducirán en una "guerra relámpago" contra las artes. Pero, entonces, ¿no es cierto eso de que la austeridad es buena para la música y la poesía?

Vincent van Gogh moría de hambre mientras creaba sus obras maestras. Johnny Rotten se burlaba de la ruina que era el Reino Unido de los años '70. George Orwell encontraba su voz en medio de la pobreza y la desesperación de la Gran Depresión.
Ante estos y tantos más ejemplos, podría pensarse que a los artistas de hoy no debería preocuparles la perspectiva de una pobreza de recursos.
Una economía débil y fuertes recortes de gasto público implican tiempos difíciles para la mayoría de la gente, pero la narrativa romántica del poeta, del músico o del pintor pobre podría anunciar un periodo de realización creativa.
La década de los años '30 nos dio las mejores obras de Steinbeck y Picasso; la turbulenta década de los '70, recordada por su crisis petrolera, fue el telón de fondo para una Edad de Oro de Hollywood; la terapia de choque thatcherista de los '80 generó magníficos dramas de televisión, como "Los chicos de Blackstuff", una serie sobre los efectos del desempleo en la Inglaterra postindustrial.
Sin embargo, la comunidad cultural británica no está anticipando un renacimiento. Lejos de eso, teme un hachazo.
Con el Departamento de Cultura, Medios de Comunicación y Deporte preparándose para un recorte de 25% a 30% y, con el Consejo Fílmico del Reino Unido ofrecido como un sacrificio temprano, el estado de ánimo entre los administradores del arte de la nación es apocalíptico.

La "mayor" crisis

En una columna escrita para el diario The Guardian, el director de la galería Tate, Nicholas Serota, advierte sobre "la mayor crisis en las artes y el patrimonio desde que empezó la financiación gubernamental en 1940".
Un grupo llamado Save The Arts ha sido formado por artistas de la talla de David Hockney, Damien Hirst, Antony Gormley y Tracy Emin para hacer campaña en contra de los cortes.
Su reacción parece desmentir la máxima de que las épocas difíciles son períodos fructíferos para los artistas.
Y, sin embargo, en tiempos recientes, las condiciones económicas duras han demostrado ser creativa y financieramente rentables para los creadores.
El curador Gregor Muir sostiene que la depresión que 1992 que generó el llamado Miércoles Negro permitió que prosperara un movimiento de artistas británicos jóvenes en una zona venida a menos y de alquileres baratos en el este Londres, un proceso que hizo millonarios a sus miembros más prominentes.
Además, para los que creen el papel del artista es hablar por los desposeídos, ¿no presentan las penurias tantas obligaciones como oportunidades?

Encontrando la voz

El cantante y compositor de izquierda Billy Bragg no es precisamente partidario de los recortes de la financiación, y reconoce que la industria musical hacía frente ya a problemas profundamente arraigados, pero -forjado su arte durante las batallas de los años '80- acepta que los músicos tienden a encontrar su voz durante los períodos de crisis.
"En los tiempos duros es la manera más obvia de conectarse con la gente y transmitirle un mensaje", expresa.
Sin embargo, no todos son optimistas. El periodista especializado en música Charles Shaar Murray cree que actualmente hay menos potencial para que surja un movimiento como en los años '70, cuando se originó punk rock.
Él sostiene que, por ejemplo, los lugares de música en vivo son menos accesibles hoy que en 1977. Es escéptico sobre el interés de la audiencia actual en la música que refuerce el abatimiento y toque el tema de la austeridad.
"Cuando la vida se vuelve dura, es el escapismo lo que interesa", dice, y ejemplifica con el caso de Broadway en los años '30 del siglo pasado.
"Si un tipo de música va a prosperar es el de programas como el X Factor" y otros espectáculos televisivos de cazatalentos, una predicción que no va a llenar precisamente de alegría a los críticos.
El hecho es que la música popular, por lo menos, se autofinancia en gran parte en el Reino Unido.

Dependientes del subsidio

Esos sectores que se muestran más ansiosos ante en la perspectiva de los recortes de gastos del gobierno son, naturalmente, los que dependen más de subsidio público.
Por ejemplo, el Consejo de las Artes de Inglaterra, que distribuye dinero público y de la lotería, ha estimado que de las cerca de 850 organizaciones en su lista, 200 desaparecerían durante un período de cuatro años si se aplican recortes del 30%.
Pero no todos creen que las consecuencias tengan que ser necesariamente negativas.
Tiffany Jenkins, socióloga cultural, estima que el subsidio público a menudo es negativo para los artistas debido a que los limita y compromete con objetivos a veces no relacionados con el arte.
Por ejemplo, cita a "elefantes blancos" como el Centro Nacional para la Música Popular en la ciudad de Sheffield, que costó millones aportados por la Lotería Nacional y cerró sus puertas después de poco más de un año.
"Ese es el problema con los proveedores de fondos, que siempre quieren lograr retribución. Lo mismo si es el gobierno o el Consejo de las Artes o benefactores privados", dice.
Jenkins agrega: "Si algo pueden enseñarnos los recortes es que el Estado no es la única vía".

¿Más exclusiva?

Ese es un ángulo que no comparte la mayoría en la comunidad cultural. Charlotte Higgins, editora de arte del diario The Guardian, califica de simplista la idea de que el mundo del arte y la cultura emergerá de los tiempos de crisis fortalecido.
Ella dice que incluso el festival de ópera de Glyndebourne, que no recibe apoyo gubernamental, de manera indirecta sí depende de éste ya que orquestas como la Filarmónica de Londres tienen financiamiento público.
"Vamos a despertar un día y percatarnos de que se han eliminado orquestas, cerrado galerías, que los museos han caído en el abandono", predice.
"El resultado será que la cultura se hará más exclusiva y menos accesible para los que no tienen recursos", añade.
"Simplemente no veo cómo los recortes pueden ser algo bueno para las artes. La idea de que los filántropos llenarán el vacío es totalmente delirante", concluye.

El arte reinventado en redes sociales

El Mundo

Una sala vacía, cinco artistas y una página de Facebook con alrededor de 1.400 fans. Así se ha gestado el proyecto creativo de la 'Obra de arte global' en la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid.
Los dos comisarios, Israel Sousa y Rafafans, eligieron como "laboratorio de innovación" las las redes sociales: los usuarios podían participar y 'mandar', modificando la definión de las obras. Algo "similar a la wikipedia" para formar "una obra de arte", indicó Sousa. "Los artistas ponían las normas del juego" y, los usuarios "realizaban la producción" a partir de esas ideas ideas.
Este proceso de "cocreación", en palabras de Sousa, deja entrever que "la inteligencia colectiva ya no es de una élite".
Al entrar, una puerta 'cierra' el paso. Es necesario un código para entrar. "Como los sistemas informáticos -explican los 'creadores' del proyecto- donde no se puede acceder sin la clave secreta". Se puede continuar por un hueco, a modo de metáfora de los los 'hackers' de la red.
Juan López ha buscado "una crítica a las redes sociales", con un mural formado con dibujos e ilustraciones y, sobre ellos, la palabra 'Delete'. También hay una montaña rusa sobre patines de troncos y una cristalera pintada de blanco, simulando un foro de Internet. Hubo asimismo una 'fiesta con confetis'. Con cinta adhesiva en las paredes y una 'batalla', los papelitos de colores se pegaron de forma aleatoria formando lo que Sousa define como un "arte vivísimo".
Esta era la primera convocatoria del Gobierno regional para elegir programador entre los menores de 35 años. Ahora vuelve a salir a concurso el comisariado. Las propuestas se pueden enviar hasta el próximo 3 de septiembre. Todo es probar.

Arte en un chip

Fuente: El Pais.

Parecen farolas, campanas, balones de fútbol, microchips e incluso rayos en una tormenta. Pero son células, líquidos y reacciones químicas. Imágenes microscópicas que un físico español afincado en Seattle ha decidido sacar del laboratorio "para enseñárselas al mundo".
Albert Folch es licenciado en Física por la Universidad Autónoma de Barcelona. Con doctorados en Harvard y el prestigioso Massachussets Institute of Technology (MIT), ambos en Boston, enseña microfluídica en la Universidad de Washington (Seattle) desde 2000. Durante toda su carrera, acumuló fotografías obtenidas con el microscopio de su laboratorio. Fue un accidente con el disco duro -estuvo a punto de perder todas las imágenes-, coincidiendo con el lanzamiento de la red social para fotografías de Google, Picasa, lo que empujó al físico a colgar más de 1.700 fotografías en la red .
"Me parecía una pena no compartirlo, pensé que había que enseñárselo al mundo". Para sorpresa de Folch, al que siempre le ha gustado la fotografía, nadie lo había hecho antes. Un artículo escrito por una estudiante de la universidad donde trabaja cayó en manos de un médico de la ciudad. Poco después llegaría la exposición en el Hospital Harborview de Seattle y en Septiembre inaugurará una biblioteca con más de cincuenta imágenes.
"Siempre me he considerado un privilegiado porque en mi trabajo veo todos los días cosas que nadie ve. Me parece fascinante este aspecto de lo que hago, pero me lo guardaba para mí", explica. Aunque suele llevar fotos a su casa para enseñárselas a sus hijos o compartirlas con sus amigos, Folch nunca había pensado que las células que estudia a diario pasarían del laboratorio a convertirse en motivo de una exposición en Seattle.
Tal y como explica en la presentación de sus exhibiciones , le atrae ese instante en el que el espectador ve la imagen y se pregunta "¿Qué es esto?" "Aprovecharemos ese momento y utilizaremos el arte como un anzuelo para introducir conceptos científicos en las mentes más receptivas".
El profesor de microfluídica, como si estuviera acostumbrado a contárselo a sus hijos de 4 y 7 años, explica en qué consiste su trabajo: una técnica que construye canales para fluidos, del mismo modo que se producen los microchips. Los canales permiten estudiar las reacciones bioquímicas entre dos líquidos como si los juntáramos en dos pipetas, los recipientes de cristal utilizados por los químicos en los laboratorios.
"La idea es miniaturizar todo lo que en un laboratorio se hace a mano", explica Folch. La técnica reduce además los costes de estos experimentos y el tiempo empleado por los químicos en los laboratorios. La miniatura permite usar menos material y además automatizar los procesos gracias a la utilización de micro válvulas que bombean el líquido de un lado a otro para estudiar las reacciones.
"Se mezclan cuando tú decides, para estudiar las reacciones. Pero puedes abrir al mismo tiempo 1.000 válvulas, algo que no puede hacer un ser humano", argumenta Folch. Los biólogos que utilizan las técnicas tradicionales pueden observar reacciones en un máximo de 24 pipetas a la vez. "Eso no es nada para nosotros", afirma Folch desde uno de los laboratorios de Estados Unidos en los que se desarrollan las técnicas de microfluídica.
Sin embargo, este catalán ha hecho que su laboratorio, y las otras 10 personas que trabajan bajo su supervisión, sea famoso por haberle dado una vuelta de tuerca más a esta técnica. El equipo de Folch está especializado en utilizar la microfluídica para mezclar células con fluidos y mantener así vivas a las células dentro de los canales, algo único en este campo. "Nos permite hacer otro tipo de biología".
Más allá de la ciencia, este físico dedicado a la bioingeniería ha convertido el retrato del comportamiento de las células en un motivo artístico. Aprovecha las cámaras utilizadas en el laboratorio y hace montajes con las imágenes. Altera los colores para acercar el diseño de una célula a un cuadro de Van Gogh. Juega con los negativos en un homenaje a Tapies.
El físico nos explica su trabajo con las células con la misma paciencia que dedica a elegir el título de cada una de las imágenes de su exposición. "Duchas de color microfluídicas", "Células nadando como peces", "Microválvulas charlando al atardecer" o "Células en homenaje a Tapies" son algunos de los elegidos.
"Quiero que la gente venga a la exposición y que cuando vea una foto sienta curiosidad por la ciencia que hay detrás de la foto y lea lo que he escrito al lado, y salga de la exposición habiendo aprendido algo," cuenta Folch. Su siguiente paso será incorporar estudiantes de Arte al laboratorio, para crear nuevas cámaras que puedan recoger todo el potencial artístico de las imágenes.
Las exposiciones llevan título en inglés BAIT y quiere decir 'carnada'. Aunque también responde a Bringing Art Into Technology, por su propósito de acercar la ciencia a los ciudadanos a través del arte. Mientras avanza en el campo de la microfílmica, su pasión por la fotografía y las exposiciones de imágenes microscópicas ayudarán a acercarnos un poco más lo que ocurre dentro del laboratorio.

Cómo ser artista con las redes sociales

Fuente: ABC.

En la era de la TV de alta definición a 1080p, cuando casi todos los hogares tienen al menos un ordenador y los escolares llevan móviles de última generación, resulta difícil recordar los tiempos en que para ver un espectáculo teníamos que desplazarnos a un teatro. Ha llovido mucho desde entonces, pero los teatros siguen ofreciendo obras y musicales, se siguen interpretando sinfonías y los músicos siguen entreteniéndonos. Sin embargo, ¿cómo pueden competir con los nuevos medios con la esperanza de atraer a un público más joven? Como dice el refrán: si no puedes vencerlos, únete a ellos.

Un estudio publicado este mes por el National Endowment for the Arts (NEA) ha revelado que quienes participan de las artes a través de diversos medios digitales tienen tres veces más propensión (un 59% sobre un 21%) de asistir a actuaciones en vivo, y lo hacen con el doble de frecuencia (6 eventos al año sobre 3) que quienes no utilizan dichos medios. Con el título de Público 2.0: cómo influye la tecnología sobre la participación en las artes, el estudio llega a la conclusión de que “la participación en las artes basada en los medios parece fomentar, más que sustituir, la asistencia a eventos artísticos en vivo”.

El informe, que puede consultarse en su totalidad en internet por primera vez este año, menciona varios ejemplos de cómo las entidades artísticas están llegando al público con iniciativas de medios en internet. La New York Public Library, KQED Public Media y la Smithsonian Institution no son más que unos pocos de los grupos que ofrecen material artístico online a través de servicios como YouTube y iTunes U.

La red de televisión Higher Education Learning Channel de St. Louis lleva sus propuestas a otro nivel al ofrecer aplicaciones para iPhone y iPad para que el nuevo público pueda interactuar con vídeos y grabaciones de audio de actuaciones locales.

“Se nos presentan internet, los social media y otras nuevas tecnologías, y creo que el campo de las artes debe asumirlas e integrarlas en nuestro trabajo”, afirmaba el Presidente de la NEA, Rocco Landesman.

Interpretación digital

Sin embargo, el alcance de los nuevos medios en las artes no termina una vez que las organizaciones atraen a los miembros del público a sus recintos; muchas producciones de arte dramático integran la tecnología y los medios interactivos en la propia actuación. El verano pasado, la National Symphony presentó notas de su programa a tiempo real que llegaban al publico a través de Twitter.

Algunos compositores incluso han comenzado a escribir música que requiere específicamente el uso de ordenadores y tecnología durante su interpretación. Los programas informáticos que permiten procesar en directo los sonidos creados por las acciones del intérprete han expandido ampliamente las posibilidades de creación en audio más allá del ámbito normal de la instrumentación. Otros programas pueden producir visualizaciones ricas basadas en señales de entrada de sonido en directo, lo que crea experiencias artísticas únicas con cada interpretación.

Otros compositores, como Eric Whitacre, han llegado al punto de utilizar los social media para crear actuaciones virtuales de su música por crowdsourcing-. Para sus obras para coro “Sleep” y “Lux Aurumque”, Whitacre ha publicado un vídeo suyo dirigiendo cada pieza, para que otros puedan grabar las distintas pistas de audio (soprano, alto, bajo, etc.) y enviarlas. Whitacre las ha sincronizado a continuación para crear actuaciones de “coro virtual” que se han publicado en YouTube.

Para un amante de la música como yo mismo resulta increíble ver cómo se usan los social media y la tecnología de estos modos únicos para aumentar la presencia de las artes entre nuevos tipos de público. Estos últimos ejemplos sólo se centraban en la música, pero los medios nuevos se están utilizando de muchos otros modos nuevos en teatro, danza y más artes que se interpretan en vivo.

El pintor que oye colores

Fuente: El Pais.

Desde que nació, Neil Harbisson ve el mundo en blanco y negro. Es una de aquellas personas, una de cada 33.000, que padecen acromatopsia, una afección hereditaria e irreversible que le impide ver los colores. Sin embargo, su vida cambió a raíz de su encuentro con el profesor de cibernética Adam Montandon, experto en técnicas para expandir los sentidos a través de la tecnología. Harbisson (Londres, 1982) le conoció en 2004, cuando cursaba composición musical en Inglaterra, en el Dartington College of Arts. Le contó su problema y Montandon le construyó un ojo cibernético, un eyeborg, capaz de convertir los colores en frecuencias sonoras. Esta nueva percepción de su entorno le llevó a combinar su pasión por la música y las artes plásticas en una serie de obras, que ahora se exhiben en el Espai Tramart (paseo de Colom, 6) de Barcelona, reunidas en la exposición Sinfonía de colores.
"Yo no veo los colores, los oigo. Mi eyeborg convierte cada color y cada matiz en una nota musical, así que para mí la percepción del color es una experiencia sonora y no visual", explica Harbisson, que desde marzo de 2004 no se separa nunca de su prótesis cibernética. El pequeño aparato, formado por un sensor y un auricular, cuelga de la frente del artista como si se tratara del tercer ojo de Shiva, que en la religión hindú se considera la puerta de la sabiduría. El sensor envía la información a un ordenador, dotado de un programa que convierte las ondas electromagnéticas de la luz en frecuencias musicales, que Harbisson interpreta como una escala de colores. "Al principio me dediqué a componer música con colores en vez que partituras. Luego empecé a realizar representaciones pictóricas de las propias composiciones musicales y finalmente me centré en los retratos sonoros, es decir, en pintar el sonido de los rostros", explica Harbisson, hijo de padre británico y madre catalana, que se crió entre Londres y Mataró.
La exposición, abierta hasta el 28 de mayo, reúne nueve representaciones pictóricas de piezas musicales clásicas de otros tantos compositores célebres (Beethoven, Mozart, Stravinski, Verdi, Vivaldi...) y 14 retratos de personajes famosos como Antoni Tàpies, Nicole Kidman, Montserrat Caballé, Woody Allen, Leonardo di Caprio, William Forsythe y el príncipe Carlos de Inglaterra. "Prefiero trabajar con músicas y rostros conocidos para que el público pueda establecer los paralelismos de forma intuitiva e inmediata", indica Harbisson, que también ha retratado personas anónimas.
Mañana, a partir de las 18.00 horas, el artista llevará a cabo una acción sonocromática para que el público pueda apreciar en directo las potencialidades del eyeborg para la creación plástica y musical. Para ello, realizará un retrato sonoro y escribirá una partitura cromática a partir de los colores y, por tanto, de las notas que emanan del rostro de una persona. "El eyeborg estará conectado a unos altavoces, que amplificarán los sonidos para que los espectadores puedan oír los colores como yo lo hago", añade Harbisson. Tras numerosas solicitudes, el Gobierno británico ha reconocido "la realidad sonocromática" en la que vive el artista y el aparato que lleva en la cabeza como una parte integrante de su cuerpo y su imagen, otorgándole el permiso de aparecer con el eyeborg en las fotografías del pasaporte y otros documentos oficiales.

Inicia "Olimpiada de Artes" en Rusia

Fuente: Pueblo en Linea.

Una "Olimpiada" para jóvenes creativos, llamada Juegos Delficos, inició el día 3 en el suburbio de Mytishchi en Moscú, capital de Rusia, con un colorido espectáculo láser y un enlace directo desde la Estación Espacial Internacional.

Más de 2.000 participantes de entre 10 y 25 años de edad, competirán en 26 diferentes artes como la interpretación de instrumentos musicales, canto, danza, fotografía, diseño de websites y otras. Los 105 ganadores finales recibirán premios del fondo presidencial.

Este año, los juegos están dedicados al 65 aniversario del fin de la Segunda Guerra Mundial.

Los Juegos Delficos son una analogía de los Juegos Olímpicos, donde los participantes no compiten en deportes sino en artes.

La arroba se convierte en '@rte'

Fuente: El Pais.

En el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA, en sus siglas inglesas) lo llaman "adquisición", pero adquirir un símbolo es bastante difícil. El caso es que la colección de arquitectura y diseño de esta prestigiosa institución cultural estadounidense cuenta desde el lunes con un nuevo objeto, la célebre arroba (el símbolo @) que ha puesto rostro a la era de Internet.
"El arte contemporáneo, la arquitectura y el diseño pueden adoptar manifestaciones inesperadas(...), la adquisición de @ supone un paso más allá. Se basa en la asunción de que la posesión física de un objeto como requisito para su adquisición ya no es necesaria", señala en su blog la conservadora jefe de arquitectura y diseño del MoMA, Paola Antonelli.
Esta profesional asegura que esta peculiar adquisición libera a los conservadores de museos de la necesidad de poseer las obras de arte. Ahora, asegura, son "libres para etiquetar el mundo y dar categoría de arte a objetos que no se pueden tener (porque son muy grandes -aviones Boeing 747, satélites-)".
El origen de un icono
Para los alemanes la arroba representa a un mono, para los griegos, a un pato. Todas las sociedades modernas han dado un sobrenombre a esta símbolo que en inglés se denomina con la palabra at que significa en. El origen de este icono es misterioso, algunos expertos lo sitúan en el siglo XVI cuando era utilizado en textos comerciales venecianos para referirse, como en castellano, a una unidad de medida que equivale a 11,502 kilogramos (aunque la cifra varía según la región).
En 1967 el ingeniero Ray Tomlinson, creador del actual sistema de correo electrónico, la empleó en el primer mensaje que envió. Por este hecho recibió el año pasado el Premio Príncipe de Asturias de Investigación Científica .
El símbolo de la arroba, además de en el correo electrónico, se emplea hoy en día en la red social Twitter y en numerosos logotipos y juegos de palabras para combinar el género masculino y femenino en una sola grafía.

El símbolo @ es arte en Nueva York

Fuente: 20minutos.

El Museo de Arte Moderno en Nueva York ha decidido incluir en una de sus colecciones el conocido símbolo de la arroba, @, debido a la fuerza de su diseño, que ha servido para representar multitud de realidades y conceptos a lo largo de la historia.
La @, que en la era de Internet se ha convertido en un símbolo omnipresente gracias al correo electrónico, es en realidad una grafía muy antigua que se ha utilizado para referirse al área de las figuras en matemáticas, para simbolizar a diversos animales o para representar a los dos géneros con un único caracter, entre otros usos.
El origen suele situarse en el siglo XVI. En 2009 se reveló que la primera constancia escrita del uso del símbolo de la arroba fue en 1536, en un documento mercantil enviado de Sevilla a Roma. Sin embargo, poco después el historiador aragonés Jorge Romance descubrió un registro de trigo de las aduanas entre Aragón y Castilla en el que este símbolo se utilizaba en 1448, aunque eso no signifique que su origen sea aragonés.
"El símbolo @ ahora es parte de la propia estructura de la vida en todo el mundo. Se ha convertido en una forma de expresar las cambiantes relaciones tecnológicas y sociales de la sociedad, expresar nuevas formas de comportamiento e interacción en un nuevo mundo", dijo Paola Antonelli, conservadora del Departamento de Arquitectura y Diseño del museo.

Las 50 horas de la Mona Lisa

Fuente: ABC.

Probablemente uno de los cuadros más conocidos del mundo sea La Mona Lisa que Leonardo da Vinci pintó a comienzos del siglo XVI y que está expuesta en el Museo del Louvre de París. ¿Te imaginas cuál sería su aspecto si el pincel lo hubieran cogido otros artistas de la talla de Picasso, Botero o Van Goh? Hoy te proponemos hasta cincuenta divertidas y originales versiones de la ínclita Gioconda.

También te animamos a conocer cuál fue la primera película del cine español. Tan sólo te daremos dos pistas: se rodó en el año 1.896 y fue durante las fiestas del Pilar, en Zaragoza. Seguro que por las calles de la ciudad maña también ha pasado el extravagante coche de Google fotografiando sus calles para el servicio Street View. Si alguna vez lo ves, no hagas nada; sonrie y ponte guapo, no vayas a caer en el mismo descuido que cometieron algunos de los capturados en esta recopilación de momentos curiosos. Como curiosa y asombrosa también, es la nueva película de James Cameron, "Avatar", llena de paísajes mágicos e increibles en un imaginario y lejano planeta llamado "Pandora"... ¿o no tan lejano?

Para terminar te contamos todo aquello que siempre quisiste saber sobre Facebook pero que nunca te atreviste a preguntar. Una excelente guía para entender el servicio y encontrar respuesta a todas tus dudas y ya sabes, con humildad siempre.

Rossellini dice que hay que hacer rentable el arte en Internet

Fuente: Yahoo!

La actriz italiana, que se ha convertido en un éxito en la Red por sus cortos sobre la vida sexual de los insectos y animales marinos, ha dicho que la audiencia para este tipo de empresas arriesgadas está creciendo, pero que la financiación sigue siendo un problema.

"Internet ofrece nuevos modos de contar historias, es una mezcla de cine, fotografía y videoarte, pero nadie financia estas películas", declaró a Reuters en una entrevista telefónica desde Nueva York.

Rossellini, de 57 años, uno de los rostros mundiales más reconocibles tras años de trabajar como actriz y modelo, ha seducido a millones de cibernautas y usuarios de móviles con su serie "Porno Verde" en el que se muestra el comportamiento sexual de moscas, arañas y ballenas.

Ella escribe, dirige e interpreta los clips de un minuto, elaborados para las pantallas pequeñas de móviles, iPod y portátiles.

"La web es un arma de doble filo", dijo, hablando en italiano. "Tiene un potencial enorme para distribuir contenido y crear contactos. Hay muchas ventajas. El problema es que el dinero se gasta en tecnologías, no en contenido".

Rossellini mostró su satisfacción por haber sido invitada para presidir el jurado de una competición lanzada por la plataforma independiente de Internet y telefonía móvil Babelgum, que espera encontrar los videoartistas mejores y más arriesgados.

Los vídeos de los nueve ganadores se mostrarán en Times Square, en Nueva York, el 17 de diciembre, mientras que tres de ellos recibirán además premios en efectivo por un total de 30.000.

SACAR DINERO

Rossellini, hija de la actriz sueca Ingrid Bergman y del director italiano Roberto Rossellini, dijo que lleva años interesada en el cine experimental, pero que ahora está intentando averiguar cómo convertirlo en una actividad rentable.

El éxito del servicio musical de Apple iTunes ha desatado un debate sobre si los usuarios deberían pagar por el contenido en Internet, incluyendo las noticias.

Rossellini, que ha creado la serie con el apoyo del actor y director Robert Redford, dijo que un modo de financiar los proyectos sería cobrar una pequeña tasa a los internautas.

"Estamos tratando cómo seguir con este experimento, cómo aprender de 'Porno Verde' y desarrollar no sólo el contenido, sino también un negocio", explicó.

"Tenemos entre dos y tres millones de usuarios, así que esto podría ser una solución. Pero ¿deberíamos encontrar un patrocinador o cambiar un céntimo a cada espectador? La gente espera que el contenido en línea sea gratis".

Millonarios de E.U. afectados por la crisis empeñan sus "costosas" obras de arte para recuperar liquidez

Fuente: Portafolio.
Entregar un Van Gogh o su Renoir a alguna de las instituciones financieras neoyorquinas que operan con discreción es una de las salidas que los ricos estadounidenses han encontrado.

La fórmula no es nueva. "Los Medici daban préstamos sobre cuadros empeñados en el Renacimiento", subraya Meghan Carleton, banquera de "Art Finance Partners" (AFP), cuyas oficinas están situadas en una pequeña galería de arte, en el séptimo piso de un rascacielos art-deco de Manhattan, cerca de la Quinta Avenida y de Central Park.
El sistema es simple: el cliente empeña una o varias obras de arte y el banco le presta aproximadamente 40% del valor estimado por sus expertos. En general el préstamo es por un año, a veces menos y a veces mucho más, como indica en su sitio "Fine Art Finance", una sección del banco privado "Emigrant Bank" encargado de estos préstamos.
Hasta el vencimiento, la persona paga intereses, entre 12 y 19% de la suma, a veces más. Y a menudo, el Monet sigue colgado sobre la chimenea.
Si el beneficiario no puede rembolsar el préstamo al vencimiento, entonces pierde la propiedad de la obra de arte, o más, si el banco lo obliga a vender otros bienes, como su casa.
"Estamos en un periodo de crisis de liquidez y en seis a ocho meses nuestra clientela ha aumentado al menos 40%", indicó Meghan Carleton, que estimó en 15% la cantidad de transacciones que terminan con la quiebra de quien pidió el préstamo.
Estas instituciones tratan a menudo con celebridades, y por lo tanto no brindan nombres. "Se puede empeñar una obra porque se necesita dinero, no necesariamente para pagar deudas; puede ser un préstamo para iniciar un negocio o comprar otra obra", subrayó Carleton. "Pero todos buscan discreción, hay historias de divorcios, de cambios de actividad", explicó.
La revelación en el New York Times, hace pocas semanas, de la identidad de una deudora, la fotógrafa Annie Leibovitz, que habría pedido prestados a Art Capital Group 15 millones de dólares, empeñando a cambio sus fotos pasadas, presentes y futuras, sacudió este pequeño mundo donde todos se conocen.
Art Capital, Art Finance Partners, Fine Art Finance: son pocos los "bancos" que se reparten el mercado en Nueva York, centro de los negocios para clientes provenientes de todo el mundo.
"Los bancos grandes como el Deutsche Bank, Citi o Bank of America realizaron préstamos en base a empeños en los años 70-80, pero sigue siendo un nicho de mucho riesgo porque el mercado del arte es opaco y está poco regulado, sometido a manipulaciones. Algunos han perdido fortunas y todos dejaron de hacerlo. El último fue UBS, que acaba de anunciar que lo suspendía", subrayó otra banquera, que pidió mantener el anonimato.
El banco al que pertenece presta solo a partir de un millón de dólares y solo acepta el empeño de colecciones -cuadros, muebles o instrumentos musicales- estimados en 5 millones de dólares como mínimo. Lo que no ha impedido que las solicitudes de préstamos se duplicaran entre 2007 y 2008.
"Evaluamos exhaustivamente a quien pide el préstamo, nos rodeamos de garantías. Y en cinco años de existencia, no lamentamos pérdidas", concluyó la banquera anónima, aunque sin esconder cierta inquietud por las sacudidas que ha registrado el mercado del arte en los últimos meses.

Google acerca el Prado

Fuente: El Periodico de Aragon.

Si usted puede ver en el ordenador hasta los adoquines de la calle en que vive, ¿por qué no conocer en detalle Las Meninas y ver la costura que atraviesa en el lienzo original? ¿O la abeja de la flor que acompaña a Las tres Gracias de Rubens y sus sucesivas restauraciones? A donde no llega el ojo humano llega Google, y desde ayer concretamente hasta 14 obras maestras del Museo del Prado elegidas para una experiencia pionera en el mundo.

Con la tecnología exclusiva de Google Earth, los internautas podrán navegar por unas imágenes de cerca de 14.000 megapíxeles que ofrecen una nitidez 1.400 veces mayor a la que se obtendría con una cámara digital de 10 megapíxeles. El resultado es espectacular para el ojo humano pero, ¿y el alma? "Nada sustituye a la contemplación directa pero estamos muy cerca de emocionarnos", dice la voz autorizada de Miguel Zugaza, director de la pinacoteca.

La idea se le ocurrió a Clara Rivera, empleada del gigante informático, que sacó una conclusión lógica después de estudiar las estadísticas: entre el 70% y el 80% de la información que se pide al buscador es geográfica, es decir, mapas sobre todo para viajar. Y desde hace dos años, respondiendo a los gustos del usuario, se ofrece además información histórica o cultural del lugar que interesa.

Desde mayo el museo se abrió por la noche para fotografiar con modernos equipos las 14 pinturas que figuran en la web del Prado como propuesta para una hora de visita. Están representadas todas las escuelas artísticas --renacimiento, italiana, holandesa...-- presentes en la gran colección museística y los grandes maestros --Goya, Rafael, Rubens...-- que, según Zugaza, "se sentirían igualmente fascinados".

Los expertos aseguran que con esta herramienta las pinacotecas dan un paso de gigante en la restauración y conservación de los cuadros. El más claro antecesor es la cueva virtual de Altamira. En todo caso, asegura el director general de Google en España, Javier Rodríguez Zapatero, "es un avance más en la democratización del acceso a la información y la cultura". Y lo mejor en tiempos de crisis es que le ha salido gratis al museo madrileño.

'The Guardian' y BBC permiten descargarse gratis una obra de arte

La composición fotográfica de Gilbert y George estará disponible durante dos días y se podrá reproducir e imprimir cuantas veces se desee

Los sitios web del diario británico The Guardian y del canal televisivo BBC permiten desde las 00.30 de este miércoles (hora penínsular española) descargarse de manera gratuita e ilimitada una obra firmada por Gilbert y George, reconocidos artistas por sus composiciones fotográficas.
Con el nombre de Planed, la obra está compuesta por nueve paneles que deberán ser descargados de manera individual para crear la composición final. Todos los paneles pueden ser impresos en cualquier dimensión y podrán ser reproducidos un número indeterminado de veces durante los dos días que la obra estará disponible.
El título de la obra se refiere al plátano, árbol asociado a Londres, que incorpora distintas imágenes en sus hojas y frutas que recuerdan los graffitis y carteles de las calles de la capital británica.
'Planed' es una obra muy característica de Gilbert & George, que llevan 40 años jugando con la fotografía, que manipulan con sofisticadas técnicas digitales. Por supuesto, entre este caleidoscopio de imágenes no faltarán los retratos de sus autores, como es habitual en todas sus obras.
Este experimento va a servir como pista de lanzamiento de un nuevo programa de la BBC, titulado Imagine about artists. Gilbert y George han mostrado una total disposición a formar parte de esta experiencia que enlaza con al filosofía de "arte para todos", que quiere democratizar el acceso a las creaciones artísticas y que los autores han apoyado desde que empezaron a trabajar juntos en 1960.
Fuente: El Pais.