Estas dos personas han dado un paso para democratizar el arte. La primera es un diseñador de webs y la otra un coleccionista de arte. La idea que han puesto en marcha desde hace un año es la de ofrecer al público obras de arte originales de creadores contemporáneos para su descarga legal y gratuita. La experiencia se llama Coleccionarte, el diseñador de webs es Diego Trulls y el coleccionista Gabriel Werthein. Ambos son argentinos y han empezado este experimento altruista con artistas destacados de su país. Recientemente Trulls visitó la feria madrileña Arco, donde eligió y consiguió nuevas obras de jóvenes artistas españoles e internacionales que se han incorporado a la oferta. La intención es que cualquier persona se convierta en coleccionista, elija sus imágenes preferidas, se las descargue, las comparta, las lleve en sus dispositivos u ordenador o la imprima y la cuelgue en su casa. Coleccionarte tiene un acceso directo permanente en Sin Título, el blog de arte de EL PAÍS. Cada mes se proporcionarán a los lectores de este periódico dos nuevas obras en alta resolución que permitirán la impresión a un tamaño de 30x40 centímetros.
“Coleccionarte nació hace un año con artistas argentinos con quienes me relaciono usualmente por mi trabajo de diseño de páginas web”, dice Diego Trulls. “Sin pensarlo comencé mi propia colección intercambiando con diferentes creadores nuestros trabajos (una obra digital por el diseño de una página para el artista) y pronto me di cuenta de que estaba viviendo rodeado de obras de arte. Lo sorprendente es que lo había conseguido sin mediar dinero. La sensación de gratificación me dio la idea de que debía expandir esta experiencia”, prosigue. “Coleccionarte está pensado para ser digital. La obra nace en digital, se distribuye en digital y luego cada cual decide qué hacer con ella”.
Para ponerlo en marcha hizo falta conseguir un mecenas 3.0, y el coleccionista Gabriel Werthein se mostró entusiasmado. Su fortuna proviene del negocio agropecuario y hace treinta años que colecciona arte contemporáneo. “Amo el campo y el arte”, afirma Werthein. “Mi historia comenzó con una gran galerista argentina llamada Ruth Benzacar. Ella me regaló mi primer cuadro, una obra del joven Guillermo Kuitca, que aún conservo”. Actualmente tiene piezas de Antonio Berni, Pablo Siquier, Jorge Macchi, Leandro Erlich, Mondongo, Carlos Amorales, Diego Singh, Cy Twombly o Francesco Clemente, entre otros. Una colección que con el tiempo se renovará, para ser esencialmente latinoamericana, según él. “El proyecto de Diego Trulls me pareció re-evolucionario porque utiliza un lenguaje de enorme actualidad con un objetivo más que loable: que los artistas donen una pequeña parte de su tiempo y creatividad para que el mundo entero sienta el deseo y la pasión de coleccionar, es decir, de elegir y ser dueño de un sinnúmero de obras”.
Cada artista firma un consentimiento para donar una obra a este sitio y suele realizarlas prácticamente en el momento. “Coleccionarte nació antes de las actuales tendencias mundiales restrictivas y persecutorias en relación con materiales con derecho de autor, con una idea de libertad absoluta”, aclara Trulls. “Absolutamente todos los artistas participantes aceptan que la obra creada se distribuya de modo gratuito al mundo entero. Esta es una de las maravillas del proyecto. Artistas que venden (en muchos casos ) sus creaciones en muchas decenas de miles de euros hacen una obra original y la regalan al mundo, lo cual nos parece una iniciativa de un completo romanticismo re-evolucionario –palabra preferida por estos socios– en estos días”.
Los artistas que se incluyen en este proyecto son elegidos por ambos cofundadores para mantener un nivel de calidad y un gusto coherente. Este año recorrerán las principales ferias del planeta: Art Basel (Basilea y Miami), Frieze (Reino Unido), Maco (México), Artbo (Bogotá), Sp arte (Sao Paulo), Documenta (Kassel, Alemania), Pinta (Nueva York), Art Moscu, Hong Kong Art, Fiac (París), Bienal de Sao Paulo, etc. “Iremos recolectando en cada una decenas de obras. Esperamos tener unas 500 obras originales y gratuitas para finales de 2012 ”, añade Trulls. “De momento, además de los artistas argentinos (de los cuales sumaremos unas 40 obras en este mes de marzo), he tenido experiencias muy interesantes en Sao Paulo y la de Arco y Just Mad, en Madrid, fue magnífica. Los artistas y las galerías que eligen formar parte de Coleccionarte lo hacen con un gran espíritu de apertura y entusiasmo. Para los creadores además es una situación completamente lúdica. Utilizar quizás el objeto tecnológico fetiche por excelencia (con todo lo que ello implica) y a la vez realizar su obra empleando el método de dibujo mas antiguo, las yemas de sus dedos. La conjunción suele ser sorprendente”.
¿Y todo esto para qué? “Nuestros objetivos son muchos: permitir que cualquier persona del mundo pueda ser auténtico coleccionista de arte contemporáneo; contribuir a la alfabetización visual (tenemos planes para brindar nuestra colección en formato XL a colegios de todo el mundo); difundir el trabajo de artistas y galerías de todo el planeta a todo el planeta, acercando arte de vanguardia a lugares donde el acceso al mismo es penoso. En definitiva: democratizar el arte y hacer del mundo un sitio más bello aún”. Todo ese entusiasmo es compartido por Werthein: “Estoy realmente fascinado y sé que este proyecto no tiene limites. Será una masa de obras y de gente interactuando con el arte, algo que de otra manera sería imposible. Es una maravilla”.
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2011/11/02
Minecraft enciende el debate de si los videojuegos son arte
Minecraft resultó ganador de la categoría artística de uno de los concursos de videojuegos más populares de la industria. Pero, en medio del furor, muchos se preguntan si los juegos de computadoras son manifestaciones del arte.
El premio fue anunciado en la final del festival de la cultura de los videojuegos GameCity, que se celebró en la ciudad británica de Nottingham.El ganador fue obra de la compañía sueca Mojang y se trata de un videojuego en el que los jugadores construyen objetos a partir de bloques en un espacio abierto.
El juego fue seleccionado entre piezas creadas por gigantes de la industria como Portal 2 de Electronic Art y Valve e Ilomilo de Microsoft.
"Es un gran honor haber sido comparados con esos juegos", indicó Markus Persson, fundador de Mojang.
"Haber ganado este premio nos ayuda a hacer de Minecraft el mejor juego".
Cerca de cuatro millones de personas lo han comprado por internet en su versión beta. Su lanzamiento oficial será el próximo mes.
"No se iguala a nada. Se siente como si tuviera vida propia. Tiene una naturaleza orgánica", le indicó a la BBC Ed Hall, uno de los jueces del concurso.
"Es simple y adictivo y tiene un elemento de belleza", indicó Hall.
Confianza cultural
El director de GameCity, Iain Simons, señaló que está complacido con la selección.
Desde que comenzó el concurso, hace cinco años, Simons ha visto un aumento en la edad promedio de los jugadores y mayor número de mujeres atraídas por la actividad.
Parte del fenómeno se debe al crecimiento de los teléfonos celulares. Los dispositivos de hoy en día han ayudado a popularizar los juegos que estaban restringidos a aparatos específicos y a consolas para el hogar.
Avances en procesadores y en chips gráficos les han ofrecido a los programadores una paleta más grande de donde escoger a la hora de concebir sus diseños.
Sin embargo, Simon no cree que esos desarrollos supongan una gran diferencia en el estatus de artistas que se les da a los diseñadores de videojuegos.
"Yo realmente creo que la tecnología es una cortina de humo. La tendencia de la tecnología es que los juegos se vean más reales, que se parezcan a las producciones cinematográficas taquilleras triple A", señaló Simon.
Minecraft posee características básicas de los videojuegos: monstruos nocturnos y la oportunidad de que el jugador libre múltiples batallas en línea.
Desde que comenzó el concurso, hace cinco años, Simons ha visto un aumento en la edad promedio de los jugadores y mayor número de mujeres atraídas por la actividad.
Parte del fenómeno se debe al crecimiento de los teléfonos celulares. Los dispositivos de hoy en día han ayudado a popularizar los juegos que estaban restringidos a aparatos específicos y a consolas para el hogar.
Avances en procesadores y en chips gráficos les han ofrecido a los programadores una paleta más grande de donde escoger a la hora de concebir sus diseños.
Sin embargo, Simon no cree que esos desarrollos supongan una gran diferencia en el estatus de artistas que se les da a los diseñadores de videojuegos.
"Yo realmente creo que la tecnología es una cortina de humo. La tendencia de la tecnología es que los juegos se vean más reales, que se parezcan a las producciones cinematográficas taquilleras triple A", señaló Simon.
Minecraft posee características básicas de los videojuegos: monstruos nocturnos y la oportunidad de que el jugador libre múltiples batallas en línea.
Creatividad
Sin embargo, fue escogido por su habilidad para estimular la creatividad de los participantes.
"Es la definición de arte más amplia que hay", dijo Hall.
"Pero los juegos de computadoras son definitivamente artísticos. Hay imágenes e historias que buscan involucrarte. Ideas que confunden tu mente por horas y que hacen que sigas jugando durante días".
clic Lea: Los videojuegos como arte
Sin embargo, no todos están seguros de que se trate de arte puro.
"No considero que sea arte y tampoco creo que intente serlo. Los juegos de computadores se hacen para entretener. Es parte de nuestra cultura de entretenimiento, que también cuenta con muchos libros, programas de televisión, películas. No todos los filmes de Hollywood son arte y eso no significa que sean malos", señaló el escritor Ekow Eshun, exdirector del Instituto de Artes Contemporáneas del Reino Unido.
"Muchas de las manifestaciones visuales no alcanzan el estado de arte como tal. Muchas de las cosas que disfrutamos son realmente buenas, pero no todas consiguen que cambiemos la forma como vemos el mundo de una manera significativa y profunda", indicó Eshun en conversación con el programa de la BBC Today.
Sin embargo, los expertos consideran que estos juegos sí están cambiando la cultura de una forma trascendental, especialmente si se toma en cuenta las horas que muchas personas pasan jugándolos.
"Es la definición de arte más amplia que hay", dijo Hall.
"Pero los juegos de computadoras son definitivamente artísticos. Hay imágenes e historias que buscan involucrarte. Ideas que confunden tu mente por horas y que hacen que sigas jugando durante días".
clic Lea: Los videojuegos como arte
Sin embargo, no todos están seguros de que se trate de arte puro.
"No considero que sea arte y tampoco creo que intente serlo. Los juegos de computadores se hacen para entretener. Es parte de nuestra cultura de entretenimiento, que también cuenta con muchos libros, programas de televisión, películas. No todos los filmes de Hollywood son arte y eso no significa que sean malos", señaló el escritor Ekow Eshun, exdirector del Instituto de Artes Contemporáneas del Reino Unido.
"Muchas de las manifestaciones visuales no alcanzan el estado de arte como tal. Muchas de las cosas que disfrutamos son realmente buenas, pero no todas consiguen que cambiemos la forma como vemos el mundo de una manera significativa y profunda", indicó Eshun en conversación con el programa de la BBC Today.
Sin embargo, los expertos consideran que estos juegos sí están cambiando la cultura de una forma trascendental, especialmente si se toma en cuenta las horas que muchas personas pasan jugándolos.
2011/10/24
Se buscan artistas digitales
Los que tengan dotes artísticas, un móvil y ganas de ganar 1.000 euros están de suerte. Desde el pasado viernes pueden participar en un concurso mundial de arte que llama a los aficionados que quieran a subir a la red imágenes originales creadas y compartidas en una red social utilizando un móvil, smartphone o tableta.
El ganador lo elegirá un jurado y se hará público en la conferencia anual LeWeb, en París, un encuentro de 4.000 empresarios y expertos digitales de más de 60 países que tendrá lugar entre el 7 y el 9 de diciembre.
"Es absolutamente maravilloso lo que la gente puede hacer con sus móviles", dice Loic Le Meur, fundador de LeWeb. La idea del concurso, denominado Prix Mobile y patrocinado por la aplicación de arte en Internet Artspotter, surgió del artista, autor, y empresario Dean Whitbread, quien expresó que "cualquiera puede ser un artista en Internet. Si te alejas del esnobismo de que no puede ser arte y lo miras como una novedad, algunas cosas son verdaderamente arte".
El ganador lo elegirá un jurado y se hará público en la conferencia anual LeWeb, en París, un encuentro de 4.000 empresarios y expertos digitales de más de 60 países que tendrá lugar entre el 7 y el 9 de diciembre.
"Es absolutamente maravilloso lo que la gente puede hacer con sus móviles", dice Loic Le Meur, fundador de LeWeb. La idea del concurso, denominado Prix Mobile y patrocinado por la aplicación de arte en Internet Artspotter, surgió del artista, autor, y empresario Dean Whitbread, quien expresó que "cualquiera puede ser un artista en Internet. Si te alejas del esnobismo de que no puede ser arte y lo miras como una novedad, algunas cosas son verdaderamente arte".
2011/08/29
El arte para enriquecerse
"La primera vez que vi esta pintura, me gustó", señala Amy Yuen, una empresaria de Hong Kong, refiriéndose a El Bebé Llorando Serie Uno del controvertido artista chino Yin Jun.
"Me gustaron los detalles y la mezcla de colores".
También le gustó el precio: US$21.540, y lo que podría potencialmente ganar por alquilar la obra.
Yuen es miembro de un grupo creciente de inversores novatos que asumen la típica actitud inescrupulosa hongkonesa frente al arte.
Ya tenía sus acciones, propiedades e incluso había coqueteado con inversiones menos tradicionales como financiar proyectos.
Así que le había llegado la hora al arte: la pintura es demasiado grande para su apartamento en Hong Kong, pero su intención nunca fue colgarla en casa.
Le pareció perfecta como decoración de un hotel o un banco privado.
"Me gustaron los detalles y la mezcla de colores".
También le gustó el precio: US$21.540, y lo que podría potencialmente ganar por alquilar la obra.
Yuen es miembro de un grupo creciente de inversores novatos que asumen la típica actitud inescrupulosa hongkonesa frente al arte.
Ya tenía sus acciones, propiedades e incluso había coqueteado con inversiones menos tradicionales como financiar proyectos.
Así que le había llegado la hora al arte: la pintura es demasiado grande para su apartamento en Hong Kong, pero su intención nunca fue colgarla en casa.
Le pareció perfecta como decoración de un hotel o un banco privado.
"Equilibrio"
Yuen calcula que sus ganancias serán de 6% al año por el alquiler a ese tipo de clientes.
"La gente que sabe apreciar el arte, será capaz de apreciar la obra", dice.
En contraste, los bancos hongkoneses típicamente pagan menos de 0,5% de interés en depósitos.
Y Yuen no es sentimental: prevé que venderá la pintura en unos tres años. Para entonces, anticipa, su valor habrá subido en un 15 a 20%.
"Lo considero como una inversión alternativa", explica, "que puede equilibrar mi portafolio. Planeo comprar más obras de arte para diversificarme".
Su fondo de pensiones invirtió alrededor de US$100 millones -cerca de un 2,5% de su portafolio- en arte. Eso incluyó 25 cuadros de impresionistas y más de 2.000 piezas que iban desde arte tribal africano hasta cerámicas chinas.
A los inversionistas de hoy quizás algunos aspectos de los '70 les resulten familiares.
Los mercados de acciones no estaban yendo a ninguna parte. Occidente enfrentaba altos niveles de inflación y bajos o ningunos de crecimiento económico. El Medio Oriente era inestable y los precios de petróleo se inflaban.
El fondo de pensiones empezó a vender su colección en 1987 y para 1999 ya se había deshecho de ella por completo.
Se dice que el rendimiento fue de un 11,3% al año.
"La gente que sabe apreciar el arte, será capaz de apreciar la obra", dice.
En contraste, los bancos hongkoneses típicamente pagan menos de 0,5% de interés en depósitos.
Y Yuen no es sentimental: prevé que venderá la pintura en unos tres años. Para entonces, anticipa, su valor habrá subido en un 15 a 20%.
"Lo considero como una inversión alternativa", explica, "que puede equilibrar mi portafolio. Planeo comprar más obras de arte para diversificarme".
Trenes de los '70
La nacionalización de la compañía de trenes británica alertó a muchos inversionistas sobre las oportunidades que ofrecía el arte en la década de los '70.Su fondo de pensiones invirtió alrededor de US$100 millones -cerca de un 2,5% de su portafolio- en arte. Eso incluyó 25 cuadros de impresionistas y más de 2.000 piezas que iban desde arte tribal africano hasta cerámicas chinas.
A los inversionistas de hoy quizás algunos aspectos de los '70 les resulten familiares.
Los mercados de acciones no estaban yendo a ninguna parte. Occidente enfrentaba altos niveles de inflación y bajos o ningunos de crecimiento económico. El Medio Oriente era inestable y los precios de petróleo se inflaban.
El fondo de pensiones empezó a vender su colección en 1987 y para 1999 ya se había deshecho de ella por completo.
Se dice que el rendimiento fue de un 11,3% al año.
No es tan fácil
A los subastadores y a los corredores de bolsa les fascina contar historias sobre personas que compraron una obra por unos cuantos cientos de dólares y las vendieron luego por millones, cuando el artista se hizo famoso. Pero en la vida real, tales golpes de suerte son raros.
Invertir en arte es un campo minado.
Incluso los expertos pueden ser engañados con falsificaciones.
A diferencia de las acciones de la bolsa, que pueden venderse en cuestión de horas, deshacerse de una pintura puede tomar mucho tiempo, incluso años.
Las casas de subastas y galerías a veces cobran altas tarifas por sus servicios.
Además, la moda cambia. Los críticos de arte tienen sus artistas consentidos, pero estos pueden ser cruelmente olvidados por la historia.
En la lista de ganadores del prestigioso Prix de Rome en París de finales del siglo XIX, por ejemplo, no hay nombres conocidos.
De hecho, a los jueces les pareció que ningún artista se merecía el premio en 1888 ni en 1897, "a pesar de que Degas, Cezanne, Matisse, Monet, Renoir y Toulouse-Lautrec estaban disponibles", recuerda Train.
Pero, a pesar de ello, el arte efectivamente tiene ciertas características atractivas para los inversores.
Hay estudios que indican que generalmente los precios de las pinturas suben a la par de la inflación, lo que protege a los ahorros.
Además, comprar arte para arrendárselo a negocios también genera dinero.
Art Futures es uno de los pioneros en la compra de arte para alquilar en Asia oriental.
Se concentra en inversores con entre US$10.000 y US$20.000 para gastar en artistas chinos que están en medio de su carrera, pues los que apenas están empezando son muy poco predecibles y los que ya son famosos son muy caros para inversores modestos.
Macey dice que pueden analizar las bases de datos de las ventas de la galería y los resultados de subastas de la misma forma que los analistas convencionales de inversiones examinan flujos de capital, tasas de crecimiento de ventas y márgenes de ganancias para decidir cuánto valen las acciones de una compañía.
"Podemos repasar los últimos siete u ocho años, hasta diez, de algunos de nuestros artistas, de manera que podemos pronosticar el valor del artista en el futuro".
Invertir en arte es un campo minado.
Incluso los expertos pueden ser engañados con falsificaciones.
A diferencia de las acciones de la bolsa, que pueden venderse en cuestión de horas, deshacerse de una pintura puede tomar mucho tiempo, incluso años.
Las casas de subastas y galerías a veces cobran altas tarifas por sus servicios.
Además, la moda cambia. Los críticos de arte tienen sus artistas consentidos, pero estos pueden ser cruelmente olvidados por la historia.
El problema con los expertos
El gurú de la inversión John Train señala en su libro "The Craft of Investing" que los conocedores de arte pueden resultar siendo malos jueces de lo que tiene un valor duradero.En la lista de ganadores del prestigioso Prix de Rome en París de finales del siglo XIX, por ejemplo, no hay nombres conocidos.
De hecho, a los jueces les pareció que ningún artista se merecía el premio en 1888 ni en 1897, "a pesar de que Degas, Cezanne, Matisse, Monet, Renoir y Toulouse-Lautrec estaban disponibles", recuerda Train.
Pero, a pesar de ello, el arte efectivamente tiene ciertas características atractivas para los inversores.
Hay estudios que indican que generalmente los precios de las pinturas suben a la par de la inflación, lo que protege a los ahorros.
Además, comprar arte para arrendárselo a negocios también genera dinero.
El artista como acción
El secreto, dice Jonathan Macey, un veterano agente de arte en Art Futures Group en Hong Kong, es tratar al arte como a cualquier otra inversión: hay que investigar antes de comprar.Art Futures es uno de los pioneros en la compra de arte para alquilar en Asia oriental.
Se concentra en inversores con entre US$10.000 y US$20.000 para gastar en artistas chinos que están en medio de su carrera, pues los que apenas están empezando son muy poco predecibles y los que ya son famosos son muy caros para inversores modestos.
Macey dice que pueden analizar las bases de datos de las ventas de la galería y los resultados de subastas de la misma forma que los analistas convencionales de inversiones examinan flujos de capital, tasas de crecimiento de ventas y márgenes de ganancias para decidir cuánto valen las acciones de una compañía.
"Podemos repasar los últimos siete u ocho años, hasta diez, de algunos de nuestros artistas, de manera que podemos pronosticar el valor del artista en el futuro".
2011/05/23
El arte olvidado de la memoria
Aprenderse las cosas de memoria... ¿sigue siendo una habilidad practicada y valorada?
Thomas Gradgrind, un personaje de Charles Dickens, se aseguraba de depositar en sus alumnos "galones imperiales de hechos para llenarlos hasta el borde".Y, aunque hoy en día muchos desprecian sus métodos, pero quisieran poder utilizarlos.
Programas educativos en la actualidad reemplazan los exámenes tradicionales por otro tipo de evaluaciones, tareas, ensayos, con la idea de que así se hace más ligera y llevadera la experiencia del aprendizaje.
Es difícil encontrar una posición común entre los tradicionalistas y los innovadores, pero hay un punto notable de consenso: grandes cantidades de personas en ambos lados del debate educativo ni siquiera son capaces de recordar, por ejemplo, sus datos bancarios en línea.
Se puede perdonar a los estudiantes que se cuestionan por qué tienen que memorizar datos como los períodos de glaciación o los gases nobles si una vez que terminan el examen jamás podrían volver a necesitar ese conocimiento en sus vidas cotidianas.
El caso es que tenemos mucho menos conocimiento del que consideramos tener. Y que a veces ni siquiera podemos recordar, digamos, la letra de una canción.
¿Importa eso en la era de la información cuando tenemos a mano almacenes de datos como el teléfono celular o las computadoras personales?
Hay muchas personas que necesitan, no sólo un procesador bastante bueno en la cabeza, sin también bastante memoria RAM. Profesiones como la medicina o el derecho requieren almacenar datos equivalentes al aprendizaje de un idioma completamente nuevo.
Las calles de la ciudad
Pero hay otras ocupaciones en las que también es vital memorizar información. Por ejemplo, la de taxista.Los conductores de los típicos taxis negros londinenses necesitan un conocimiento detallado de un radio de nueve kilómetros de la estación de Charing Cross, en el centro de la capital del Reino Unido.
Los taxistas aprenden 320 rutas, y todos los puntos de referencia y los lugares de interés a lo largo del camino.
El proceso puede tomar de tres a cinco años, y las tasas de deserción se dice que son de alrededor del 80%.
Nick O'Connor asegura que va por buen camino después de 22 meses de estudio.
En sus palabras, "no se necesita de una persona específica o una específica habilidad del cerebro. Basta con intentar ser estructurado y tener la motivación para levantarse cada día y salir en bicicleta (a investigar las rutas) Yo diría que cualquiera puede hacerlo".
Él normalmente pasa dos horas recorriendo los itinerarios prescritos, así como también estudiando los mapas.
Teniendo en cuenta que su otro trabajo diario es en una escuela especializada en conocimiento sobre Londres, el mapa de las calles de la ciudad rara vez está fuera de su mente.
¿Y si se menciona la frase navegación satelital? O'Connor confía en que el hombre puede vencer a la máquina. "Se trata de la velocidad del pensamiento. Antes de que se pueda introducir una dirección en el aparato de navegación vía satélite, el conductor del taxi a menudo ya está en camino, porque sabe exactamente donde tiene que ir".
En escena
Si a un taxista le falla la memoria, el cliente se molesta. Pero si se trata de un artista, puede ser mucho peor.El actor y escritor Michael Simkins vivió lo que llama su "peor pesadilla" en el escenario, cuando, cansado, por la dedicación a otros proyectos, olvidó lo que tenía que decir en un parlamento.
"Fue estremecedor. Me tomó entre 10 y 12 semanas recuperarme", dice.
Tras esa experiencia, "cada día antes de salir a escena repasaba constantemente mis parlamentos, lo cual puede ser fatal ya que puede generar más terror. Todavía puedo sentir las consecuencias (del olvido) 25 años después".
Simkins asegura que los actores aprenden el guión de maneras muy diferentes. Algunos, como él, usan la memorización previa a la antigua mientras que otros aprenden sus partes más adelante, en la fase de ensayo.
Y las necesidades propias de las telenovelas han generado su manera única de aprender el guión.
"Cuando se trabaja en las telenovelas, los actores comienzan a actuar a veces sin apenas saber sus parlamentos, pero tienen una capacidad de aprenderlos con una velocidad colosal. Y ya al día siguiente no los recuerdan. Es algo notable".
Según él, los actores son buenos encubriendo errores, y es poco probable que el público conozca el guión exacto. Un error seguido de una recuperación rápida e ingeniosa, en una comedia, "puede ganarse al público". En una tragedia, no tanto.
Canciones y poemas
Algo parecido a la tragedia fue, por ejemplo, la situación en la que la cantante Christina Aguilera se encontró a principios de este año cuando confundió la letra del himno estadounidense en el Super Bowl de EE.UU.Y es que los artistas a veces puede ganar notoriedad por un solo error.
Para el resto de nosotros, la memorización puede no ser necesaria para nuestra supervivencia económica, pero puede aportar un placer inexplicable.
Algunos, sobre todo los más mayores, podrán declamar sin esfuerzo poemas aprendidos en la escuela.
Los niños de primaria de hoy aprenden canciones, diálogos de una obra, o herramientas útiles como las tablas de multiplicar, dice Mark Brown, director del colegio St. Mary, en Axminster, Devon, Inglaterra, pero rara vez aprenden poemas como lo hacían sus abuelos.
La capacidad de los niños a disfrutar y recordar con precisión es a menudo subestimada.
Brown recuerda una obra de Navidad en la que el niño que hacía de Herodes se enfermó. "Uno de los pequeños entró y dijo que podía reemplazarlo. De hecho la mayoría de los niños en la obra se sabían todo el guión", cuenta.
"Para saber una parte a veces se necesita saber las de los demás", enfatiza.
BBC Mundo
2011/02/21
Pinceles en los dedos
Cada día surgen más aplicaciones para las tabletas táctiles. La más veterana y exitosa, el iPad de Apple es quizá la más fecunda, sin embargo, extrañaba que todavía no se explotase algo tan lógico como dibujar en pantalla. Se podían revisar y retocar levemente fotos pero no crear con tanto realismo un dibujo desde cero. ArtRage es una aplicación (5,49 euros en la tienda iTunes) que permite usar la pantalla como lienzo, escoger pincel, trazo, color, tipo de textura y fuerza con que se quiere presionar. Así se puede pintar con un espray, rotulador, pluma, pintura de cera, según el antojo del usuario. La paleta de colores, situada en la esquina inferior derecha del iPad, es amplia. Muestra un abanico extenso cuya tonalidad se puede matizar tanto como se quiera gracias dos semicírculos. El primero para decidir el color y el segundo para oscurecerlo o aclararlo en cuestión de segundos.
Una vez terminada la creación se puede exportar como fotografía a 1024X768 píxeles o dejarlo como borrador para darle retoques posteriores. Otra de las opciones de la aplicación consiste en la importación de una fotografía de la galería del iPad y convertirla en un collage.
Uno de los videojuegos más vendidos en 2010 fue Art Academy, un título que enseña a pintar con la consola portátil Nintendo DS. Este es un paso más dentro de esta línea solo que se prescinde de ningún aparato adicional para el dibujo. Solo se usan los dedos.
El Pais
Una vez terminada la creación se puede exportar como fotografía a 1024X768 píxeles o dejarlo como borrador para darle retoques posteriores. Otra de las opciones de la aplicación consiste en la importación de una fotografía de la galería del iPad y convertirla en un collage.
Uno de los videojuegos más vendidos en 2010 fue Art Academy, un título que enseña a pintar con la consola portátil Nintendo DS. Este es un paso más dentro de esta línea solo que se prescinde de ningún aparato adicional para el dibujo. Solo se usan los dedos.
El Pais
2011/02/07
Cuando el arte trabajaba al servicio de la ciencia
El pájaro dodo es un ejemplo entre muchos de que el ser humano es el depredador más peligroso que habita el planeta. El dodo fue visto por última vez en 1688, sólo 90 años después de la llegada de los primeros colonos holandeses a la isla Mauricio. Se perdió para siempre, pero la ciencia no se rinde fácilmente.
Capturar la imagen de un animal o una flor es un hecho científico imprescindible. Se ha hecho desde hace siglos, primero con dibujos, luego con la ayuda de microscopios, después con la fotografía, y ahora con las técnicas de reproducción 3D. Y puede ocurrir que si hay un descubrimiento o si aparece un fósil, haya que retocar el cuadro.
El Museo de Historia Natural ha abierto en Londres una exposición permanente llamada Imágenes de la naturaleza con la que ofrecernos ese espacio de colaboración que existe entre el arte y la ciencia. Y la estrella indiscutible de la muestra es el dodo.
Su imagen singular, casi extravagante, captó la atención de mucha gente y la imaginación de Lewis Carroll, que le dio un papel especial en Alicia en el País de las Maravillas. De un metro de altura, era una ave que no volaba, pesaba unos 20 kilos y se alimentaba de fruta.
Como otras especies de la isla Mauricio, situada al este de Madagascar, el dodo desapareció con rapidez. La isla era un ecosistema cerrado, sin depredadores que amenazaran a sus habitantes. Los colonos descubrieron que se podía comer, aunque su carne no era muy buena.
En realidad, la mayor parte del daño procedió de los animales que llegaron en los barcos cerdos, ratas, cabras o monos que acabaron con los huevos y crías de las aves.
La imagen del dodo más conocida durante siglos fue pintada por el artista holandés Roelandt Savery en torno a 1626. En el Museo, se expone uno de sus cuadros, que fue la base con la que Richard Owen realizó en 1866, ayudado de unos pocos fósiles incompletos, la descripción del ave comúnmente aceptada desde entonces.
"Savery dijo que había pintado un dodo vivo, pero hay pruebas que demuestran que se basó en ejemplares conservados (y muertos)", dice Judith Magee, conservadora de la galería. "No se puede decir que representara al dodo con su imagen real".
La exposición también ofrece ejemplos del trabajo de John Gerrard Keulemans, pintor holandés del siglo XIX. Como se puede apreciar en sus obras sobre aves, para que una imagen sea de utilidad a los científicos, las proporciones deben ser exactas y el entorno vegetal, auténtico. En algunos casos, algo de especulación es inevitable porque se trata de especies extinguidas, pero el artista no puede tomarse muchas libertades.
El paleontólogo Julian Hume cogió los pinceles y plasmó los cambios en un lienzo. "La pintura muestra que tenía patas más largas, un cuello más recto, un cuerpo menos grueso y una cabeza más reducida", explica Magee.
¿Es la versión definitiva? Al menos, es lo que la ciencia sabe hasta ahora. "La interpretación que hizo Savery no era la correcta" cuenta Hume. "Nosotros utilizamos la ciencia para cambiar la representación gráfica del animal, pero ¿quién tiene razón? Es probable que nunca lo sepamos con total seguridad".
En 1665, el libro Micrographia, causó sensación en Londres. Robert Hooke ofrecía gracias al microscopio imágenes nunca vistas antes. Desde entonces, los artistas son los cómplices perfectos de los científicos. Si no vemos algo, no somos conscientes de su existencia.
Publico
Capturar la imagen de un animal o una flor es un hecho científico imprescindible. Se ha hecho desde hace siglos, primero con dibujos, luego con la ayuda de microscopios, después con la fotografía, y ahora con las técnicas de reproducción 3D. Y puede ocurrir que si hay un descubrimiento o si aparece un fósil, haya que retocar el cuadro.
El Museo de Historia Natural ha abierto en Londres una exposición permanente llamada Imágenes de la naturaleza con la que ofrecernos ese espacio de colaboración que existe entre el arte y la ciencia. Y la estrella indiscutible de la muestra es el dodo.
Su imagen singular, casi extravagante, captó la atención de mucha gente y la imaginación de Lewis Carroll, que le dio un papel especial en Alicia en el País de las Maravillas. De un metro de altura, era una ave que no volaba, pesaba unos 20 kilos y se alimentaba de fruta.
Como otras especies de la isla Mauricio, situada al este de Madagascar, el dodo desapareció con rapidez. La isla era un ecosistema cerrado, sin depredadores que amenazaran a sus habitantes. Los colonos descubrieron que se podía comer, aunque su carne no era muy buena.
En realidad, la mayor parte del daño procedió de los animales que llegaron en los barcos cerdos, ratas, cabras o monos que acabaron con los huevos y crías de las aves.
La imagen del dodo más conocida durante siglos fue pintada por el artista holandés Roelandt Savery en torno a 1626. En el Museo, se expone uno de sus cuadros, que fue la base con la que Richard Owen realizó en 1866, ayudado de unos pocos fósiles incompletos, la descripción del ave comúnmente aceptada desde entonces.
"Savery dijo que había pintado un dodo vivo, pero hay pruebas que demuestran que se basó en ejemplares conservados (y muertos)", dice Judith Magee, conservadora de la galería. "No se puede decir que representara al dodo con su imagen real".
La exposición también ofrece ejemplos del trabajo de John Gerrard Keulemans, pintor holandés del siglo XIX. Como se puede apreciar en sus obras sobre aves, para que una imagen sea de utilidad a los científicos, las proporciones deben ser exactas y el entorno vegetal, auténtico. En algunos casos, algo de especulación es inevitable porque se trata de especies extinguidas, pero el artista no puede tomarse muchas libertades.
Una nueva imagen
El descubrimiento de nuevos fósiles de dodo en 2005 obligó a revisar lo que se sabía de él. Un cráneo íntegro del animal permitió llegar a la conclusión de que la cabeza y el pico eran más pequeños.El paleontólogo Julian Hume cogió los pinceles y plasmó los cambios en un lienzo. "La pintura muestra que tenía patas más largas, un cuello más recto, un cuerpo menos grueso y una cabeza más reducida", explica Magee.
¿Es la versión definitiva? Al menos, es lo que la ciencia sabe hasta ahora. "La interpretación que hizo Savery no era la correcta" cuenta Hume. "Nosotros utilizamos la ciencia para cambiar la representación gráfica del animal, pero ¿quién tiene razón? Es probable que nunca lo sepamos con total seguridad".
En 1665, el libro Micrographia, causó sensación en Londres. Robert Hooke ofrecía gracias al microscopio imágenes nunca vistas antes. Desde entonces, los artistas son los cómplices perfectos de los científicos. Si no vemos algo, no somos conscientes de su existencia.
Publico
2011/02/03
Tres museos de Nueva York y otro de Washington se suman al Art Project de Google
Tres museos de Nueva York, la Colección Frick, el de Arte Moderno (MoMA) y el Metropolitan, y otro de Washington, el Freer Smithsonian, se suman desde este martes al proyecto de Google para que los usuarios de Internet puedan explorar virtualmente sus miles de obras de arte.
Los cuatro museos estadounidenses forman parte de la iniciativa Art Project, presentada este martes en Londres y que engloba a 17 de los más importantes del mundo, como los españoles Reina Sofía y Thyssen-Bornesmiza, la Galleria degli Uffizi (Italia) o el británico Tate.
Con un "click" de ratón de computadora, la iniciativa permite a los usuarios de internet recorrer esos 17 museos de once ciudades en nueve países, así como a las obras de 486 artistas expuestas en 385 salas, además de más de mil imágenes artísticas en alta resolución y 17 "gigapixel" fotos.
La directora de la Colección Frick de Nueva York, Anne Poulet, señaló que esta colaboración museística internacional con el portal de internet "representa una síntesis fascinante entre arte y tecnología, que reforzará las maneras en que el gran público puede acceder al arte, además de proporcionar a los educadores nuevas herramientas para compartir sus impresiones y descubrimientos".
Los usuarios de esta nueva herramienta artística y educativa tienen también la posibilidad de hacerse con su propia colección personal de arte virtual, así como de comentarla.
La visita virtual a esa prestigiosa entidad neoyorquina comienza a través de la obra renacentista San Francisco en el desierto, de Giovanni Bellini (1430-1516). La técnica permite que los visitantes virtuales pueden ver con un increíble detalle la figura central del santo, incluidas las pinceladas, con que Bellini pintó los animales, las plantas y hasta los objetos o la mirada de San Francisco.
Las imágenes en alta resolución aportadas por estos museos pueden ser ampliadas y revisadas con todo detalle mediante la herramienta de "zoom" que aparece en cada una de ellas.
Este museo neoyorquino ha incluido entre las obras que forman parte de esa visita virtual La forja, de Francisco de Goya (1746-1828), un autorretrato de Rembrandt van Rijn (1606-1669), El progreso del amor: El encuentro, de Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), entre otras piezas de Johannes Vermeer, Jean-Auguste Ingres o Pierre-Auguste Renoir, entre otros.
La visita al Metropolitan a través del ordenador personal empieza por La cosecha, de Pieter Brueghel el Viejo (1525-1569), para seguir por otras impresionantes piezas como Vista de Toledo, de Doménikos Theotokópoulos El Greco (1541-1614), en la que se aprecian con todo detalle las pinceladas de un paisaje que refleja los desniveles arquitectónicos de la ciudad española en una oscura atmósfera.
Este museo también ha incluido la escultura Ugolino y sus hijos, de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) e importantes obras de Paolo Veronese, Jacques-Louis David, Paul Gauguin, Edouard Manet o Rembrandt, entre las más diversas representaciones artísticas de diferentes culturas.
La visita al MoMA comienza por la imagen de Noche estrellada, de Vincent Van Gogh (1853-1990), para seguir con un recorrido sobre la obra de Paul Cézanne (1839-1906), como Château Noir, un bodegón con manzanas y una jarra de leche o un autorretrato del pintor francés, sin olvidar a alguno de sus destacados bañistas. A ellos se añaden destacadas obras de Gauguin, Odilon Redon, Henri Rousseau o Georges-Pierre Seurat, entre otros.
Las imágenes en "gigapixel" proporcionadas por el museo Smithsonian de Washington incluyen The Princess from the Land of Porcelain, del estadounidense James McNeill Whistler (1834-1903) y otras veinte obras suyas, así como importantes representaciones artísticas de la cultura china, japonesa o de caligrafía árabe.
20minutos
Los cuatro museos estadounidenses forman parte de la iniciativa Art Project, presentada este martes en Londres y que engloba a 17 de los más importantes del mundo, como los españoles Reina Sofía y Thyssen-Bornesmiza, la Galleria degli Uffizi (Italia) o el británico Tate.
Con un "click" de ratón de computadora, la iniciativa permite a los usuarios de internet recorrer esos 17 museos de once ciudades en nueve países, así como a las obras de 486 artistas expuestas en 385 salas, además de más de mil imágenes artísticas en alta resolución y 17 "gigapixel" fotos.
La directora de la Colección Frick de Nueva York, Anne Poulet, señaló que esta colaboración museística internacional con el portal de internet "representa una síntesis fascinante entre arte y tecnología, que reforzará las maneras en que el gran público puede acceder al arte, además de proporcionar a los educadores nuevas herramientas para compartir sus impresiones y descubrimientos".
Los usuarios de esta nueva herramienta artística y educativa tienen también la posibilidad de hacerse con su propia colección personal de arte virtual, así como de comentarla.
La visita virtual a esa prestigiosa entidad neoyorquina comienza a través de la obra renacentista San Francisco en el desierto, de Giovanni Bellini (1430-1516). La técnica permite que los visitantes virtuales pueden ver con un increíble detalle la figura central del santo, incluidas las pinceladas, con que Bellini pintó los animales, las plantas y hasta los objetos o la mirada de San Francisco.
Las imágenes en alta resolución aportadas por estos museos pueden ser ampliadas y revisadas con todo detalle mediante la herramienta de "zoom" que aparece en cada una de ellas.
Este museo neoyorquino ha incluido entre las obras que forman parte de esa visita virtual La forja, de Francisco de Goya (1746-1828), un autorretrato de Rembrandt van Rijn (1606-1669), El progreso del amor: El encuentro, de Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), entre otras piezas de Johannes Vermeer, Jean-Auguste Ingres o Pierre-Auguste Renoir, entre otros.
La visita al Metropolitan a través del ordenador personal empieza por La cosecha, de Pieter Brueghel el Viejo (1525-1569), para seguir por otras impresionantes piezas como Vista de Toledo, de Doménikos Theotokópoulos El Greco (1541-1614), en la que se aprecian con todo detalle las pinceladas de un paisaje que refleja los desniveles arquitectónicos de la ciudad española en una oscura atmósfera.
Este museo también ha incluido la escultura Ugolino y sus hijos, de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) e importantes obras de Paolo Veronese, Jacques-Louis David, Paul Gauguin, Edouard Manet o Rembrandt, entre las más diversas representaciones artísticas de diferentes culturas.
La visita al MoMA comienza por la imagen de Noche estrellada, de Vincent Van Gogh (1853-1990), para seguir con un recorrido sobre la obra de Paul Cézanne (1839-1906), como Château Noir, un bodegón con manzanas y una jarra de leche o un autorretrato del pintor francés, sin olvidar a alguno de sus destacados bañistas. A ellos se añaden destacadas obras de Gauguin, Odilon Redon, Henri Rousseau o Georges-Pierre Seurat, entre otros.
Las imágenes en "gigapixel" proporcionadas por el museo Smithsonian de Washington incluyen The Princess from the Land of Porcelain, del estadounidense James McNeill Whistler (1834-1903) y otras veinte obras suyas, así como importantes representaciones artísticas de la cultura china, japonesa o de caligrafía árabe.
20minutos
Google Art Project lleva a internet los mejores museos del mundo
Los amantes del arte tienen desde hoy una herramienta imprescindible en Art Project, la iniciativa con la que Google permite acceder en la red a una colección única de obras de arte de 17 de los principales museos del mundo, con una calidad de imagen excepcional y la posibilidad de interactuar.
Googleartproject.com es la página en la que los internautas podrán visitar por dentro determinadas salas de las pinacotecas, cada una de las cuales ha elegido un cuadro de su colección que la tecnología más moderna permite ver con una resolución única.
The Metropolitan Museum of Art, el Hermitage, el palacio de Versalles, el Rijksmuseum, la Tate, el Reina Sofía y el Thyssen están entre las instituciones que han colaborado con este proyecto, que facilita también hacer un recorrido virtual de 360 grados por las galerías de los museos gracias a la tecnología de Street View.
Obras como Noche estrellada de Van Gogh, del MoMA de Nueva York, La botella de anís del mono de Juan Gris, del Reina Sofía de Madrid, La aparición del Mesías de Alexander Ivanov de la Galería Tretiakov de Moscú, o El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli de la Galleria degli Uffizi, se pueden ver con un detalle minucioso.
Google los ha recogido con una resolución de 7.000 millones de píxels (una calidad de imagen 1.000 veces superior a la de las cámaras digitales convencionales), lo que permite ver con visión microscópica los detalles del trazo y el craquelado de las obras. A estas imágenes se suman las de otro millar de obras que se pueden ver virtualmente colgadas de las paredes de sus museos, acompañadas de las explicaciones en vídeos de Youtube, de unos tres minutos de duración, de expertos y comisarios de arte.
Presentación en la galería Tate
El proyecto fue presentado en la galería Tate Britain, cuyo director, Nicholas Serota, destacó que el Art Project "da a todas nuestras audiencias una oportunidad sin igual para acercarse de manera realmente estrecha a grandes obras de arte".
El vicepresidente tecnológico de Google para Europa, África y Oriente Medio, Nelson Mattos, consideró que se trata "de un gran paso adelante en la manera en la que la gente interactúa con estas maravillosas piezas de arte" y subrayó que facilitará el acceso al arte a millones de personas que no pueden visitar un museo.
El proyecto beneficiará, entre otros, a "millones de niños que probablemente nunca tendrán la oportunidad de ver estas grandes obras de arte" y en opinión de Mattos será un incentivo más para que la gente sienta la curiosidad de conocer físicamente los cuadros.
Mattos aseguró que el Art Project nace con la vocación de ampliarse en el tiempo y de llegar a otros museos importantes que no están en la lista –los grandes ausentes son el Louvre y el Prado–. Amit Sood, el director del proyecto, no quiso entrar en detalles sobre las razones que han impedido que estos museos estén en la lista, pero aseguró que "la puerta sigue abierta".
El proyecto de una trabajadora de Google
El buscador de internet, que financia íntegramente este programa, ha conseguido ponerlo en marcha en un año y medio, gracias a la participación de un grupo de sus trabajadores que se embarcaron en lo que en Google se conocen como los "proyectos 20 por ciento".
Se trata de programas de incentivos a los empleados de la compañía, que pasan a dedicar un quinto de su jornada laboral a trabajar en iniciativas que potencialmente pueden convertirse en producto, tal y como ha ocurrido con este Art Project.
Uno de esos trabajadores es Clara Rivera, responsable de marketing y productos de Google en su sede de Mountain View (EEUU), y cuyo amor al arte le llevó a embarcarse en una aventura que le ha permitido, entre otras cosas, coordinar los trabajos para realizar la captación de las imágenes de alta resolución en los 17 museos.
Miguel Ángel Recio, director gerente del madrileño Thyssen, se mostró muy satisfecho con el producto y convencido de que, lejos de alejar a los visitantes de los museos, este Art Project servirá para estimular nuevas visitas y atraer "a otro tipo de usuarios". "Para nosotros es muy positivo, porque servirá para atraer a personas que hasta ahora no nos conoce de nada", dijo Recio.
Libertad Digital
Googleartproject.com es la página en la que los internautas podrán visitar por dentro determinadas salas de las pinacotecas, cada una de las cuales ha elegido un cuadro de su colección que la tecnología más moderna permite ver con una resolución única.
The Metropolitan Museum of Art, el Hermitage, el palacio de Versalles, el Rijksmuseum, la Tate, el Reina Sofía y el Thyssen están entre las instituciones que han colaborado con este proyecto, que facilita también hacer un recorrido virtual de 360 grados por las galerías de los museos gracias a la tecnología de Street View.
Obras como Noche estrellada de Van Gogh, del MoMA de Nueva York, La botella de anís del mono de Juan Gris, del Reina Sofía de Madrid, La aparición del Mesías de Alexander Ivanov de la Galería Tretiakov de Moscú, o El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli de la Galleria degli Uffizi, se pueden ver con un detalle minucioso.
Google los ha recogido con una resolución de 7.000 millones de píxels (una calidad de imagen 1.000 veces superior a la de las cámaras digitales convencionales), lo que permite ver con visión microscópica los detalles del trazo y el craquelado de las obras. A estas imágenes se suman las de otro millar de obras que se pueden ver virtualmente colgadas de las paredes de sus museos, acompañadas de las explicaciones en vídeos de Youtube, de unos tres minutos de duración, de expertos y comisarios de arte.
Presentación en la galería Tate
El proyecto fue presentado en la galería Tate Britain, cuyo director, Nicholas Serota, destacó que el Art Project "da a todas nuestras audiencias una oportunidad sin igual para acercarse de manera realmente estrecha a grandes obras de arte".
El vicepresidente tecnológico de Google para Europa, África y Oriente Medio, Nelson Mattos, consideró que se trata "de un gran paso adelante en la manera en la que la gente interactúa con estas maravillosas piezas de arte" y subrayó que facilitará el acceso al arte a millones de personas que no pueden visitar un museo.
El proyecto beneficiará, entre otros, a "millones de niños que probablemente nunca tendrán la oportunidad de ver estas grandes obras de arte" y en opinión de Mattos será un incentivo más para que la gente sienta la curiosidad de conocer físicamente los cuadros.
Mattos aseguró que el Art Project nace con la vocación de ampliarse en el tiempo y de llegar a otros museos importantes que no están en la lista –los grandes ausentes son el Louvre y el Prado–. Amit Sood, el director del proyecto, no quiso entrar en detalles sobre las razones que han impedido que estos museos estén en la lista, pero aseguró que "la puerta sigue abierta".
El proyecto de una trabajadora de Google
El buscador de internet, que financia íntegramente este programa, ha conseguido ponerlo en marcha en un año y medio, gracias a la participación de un grupo de sus trabajadores que se embarcaron en lo que en Google se conocen como los "proyectos 20 por ciento".
Se trata de programas de incentivos a los empleados de la compañía, que pasan a dedicar un quinto de su jornada laboral a trabajar en iniciativas que potencialmente pueden convertirse en producto, tal y como ha ocurrido con este Art Project.
Uno de esos trabajadores es Clara Rivera, responsable de marketing y productos de Google en su sede de Mountain View (EEUU), y cuyo amor al arte le llevó a embarcarse en una aventura que le ha permitido, entre otras cosas, coordinar los trabajos para realizar la captación de las imágenes de alta resolución en los 17 museos.
Miguel Ángel Recio, director gerente del madrileño Thyssen, se mostró muy satisfecho con el producto y convencido de que, lejos de alejar a los visitantes de los museos, este Art Project servirá para estimular nuevas visitas y atraer "a otro tipo de usuarios". "Para nosotros es muy positivo, porque servirá para atraer a personas que hasta ahora no nos conoce de nada", dijo Recio.
Libertad Digital
2011/02/01
Google ofrecerá visitas virtuales a las galerías de arte
Google intenta llevar a los hogares las grandes galerías de arte de todo el mundo con una nueva página en Internet que ofrece visitas virtuales mediante su tecnología Street View y la capacidad para compilar colecciones privadas e imágenes de alta resolución.
Mientras que la mayoría de las grandes galerías han estado ocupadas en facilitar la accesibilidad de sus obras durante años, varios expertos dijeron durante una presentación en la galería Tate Britain de Londres que la página de Google estaba buscando llevar la experiencia online del mundo artístico a un nuevo nivel.
"Podría suponer el elemento de cambio", señaló Julian Raby de la Freer Gallery of Art, que forma parte del Instituto Smithsonian en Washington, la cual es una de las 17 galerías que forman parte en el proyecto.Nelson Mattos, vicepresidente de ingeniería en Google, indicó que la página Art Project (www.googleartproject.com) permitiría a los niños de Latinoamérica, India y África, los cuales difícilmente verán algún día las obras originales, vivir esa experiencia por Internet.
"Lo que realmente representa esto es un gran paso en la manera en que las personas van a interactuar con esas bellas riquezas artísticas de todo el mundo", dijo, añadiendo que Google tiene previsto expandir su página en los próximos años.
Tantos Mattos como diversos directores de museos de arte aseguraron que no importaba cómo avance la tecnología, ya que la nueva página nunca sustituirá la visita física a los museos.
"Obviamente no creemos que esta tecnología impida que la gente pueda acudir a los museos", agregó. "Esperamos que ocurra lo contrario".
UNA PROFUNDA EXPERIENCIA
Raby considera que Art Project añadiría una nueva experiencia a las exposiciones de arte por Internet.
"Hasta ahora, los museos estaban obsesionados con la información, y lo que Google Art Project hace es producir una experiencia emotiva", dijo.
"Veo esto no como una alternativa (a la visita física de museos), pero sí como un estímulo para acceder y ver las auténticas obras de arte", recalcó Raby.
A Amit Sood, un empleado de Google que se involucró en Art Project desde el principio cuando su jefe le dejó tiempo libre para iniciativas personales, explicó cómo la compañía utilizaba la tecnología de Street View para desarrollar las visitas virtuales.
Las cámaras fueron instaladas dentro de las galerías vacías después de que el público abandonara los museos, pudiendo hacer un recorrido virtual de 360 grados por las obras de diversas salas. De momento se pueden acceder a un total de 385 salas, a la espera de que se añadan más.
Cada uno de los 17 museos que se involucraron en el proyecto también decidieron coger una obra de arte para que fuera fotografiada utilizando una tecnología de captura fotográfica llamada "gigapíxel", que cuenta con una resolución de 7.000 millones de píxeles y permite ver con visión microscópica todos los detalles de las pinturas.
"Estamos interesados en profundizar en el conocimiento de un limitado número de obras", señaló Nicholas Serota, director del Tate.
Al igual que fueron seleccionadas 17 pinturas en gigapíxeles, los museos han puesto también a la disposición imágenes de más de 1.000 obras de arte, permitiendo así a la gente la posibilidad de estudiarlas en detalle a través de un visor para acercar o alejar el tamaño de cada una de ellas.
Por otro lado, los usuarios podrán crear sus propias colecciones, añadir comentarios y compartir sus propias experiencias, abriendo oportunidades en educación.
Mattos aseguró que no había ningún interés comercial por parte de Google en el proyecto, subvencionado por la compañía. Sin embargo, Mattos declinó comentar cuál fue su coste.
Entre las galerías que aparecen en la página se encuentra la Uffizi de Florencia, el Palacio de Versalles de Francia, el museo Kampa de Praga, el Museo Van Gogh de Ámsterdam y el museo State Hermitage de San Petersburgo.
Yahoo!
2011/01/21
VIP Art Fair, primera feria de arte en internet con galerías de todo el mundo
La primera feria de arte contemporáneo exclusivamente por internet, VIP Art Fair, se abre el próximo sábado con la participación de prestigiosas galerías de todo el mundo y la pretensión de crear una "comunidad virtual" accesible a galeristas, coleccionistas y responsables de museos.
Al certamen, que se celebrará desde el sábado 22 al 30 de enero, se podrá entrar como visitante de forma gratuita, mientras que si se pretende participar interactivamente y negociar con los galeristas, deberá comprarse una tarjeta de ingreso para toda la feria por 100 dólares, si se abona en los dos primeros días, o acceder a la última jornada por 20 dólares, según anunciaron los organizadores.
El propósito de la feria, organizada por el galerista neoyorquino James Cohan y en la que participarán las galerías estadounidenses Gagosian y David Zwirnre, las londinenses White Cube y Marlborough, y la berlinesa Max Hetzler -de un total de 139 galerías internacionales- es facilitar a los galeristas el máximo de comunicación e intercambio sin salir de sus sedes.
La plataforma que se usará para la VIP Art Fair estará dotada de alta tecnología, para difundir las obras con el máximo de precisión y en diversos formatos, acompañadas de la correspondiente documentación sobre su autor, incluida su cotización.
La feria, dirigida por el estadounidense Noah Horowitz, contactará por chat y skipe a los interesados en las distintas obras de arte expuestas, que pueden ser escrutadas con un potente zoom y en distintos formatos multimedia en tres dimensiones.
Los galeristas participantes, elegidos entre los mejores de todo el mundo, pagarán entre 5.000 y 20.000 dólares por participar en este evento virtual que difundirá su catálogo de artistas en todo el mundo.
Los galeristas, procedentes de treinta países, podrán mostrar sus piezas en tres salas diferentes: VIP premier, integrado por 91 galerías que presentan 20 obras como máximo; Enfoque VIP, con 24 galerías y ocho obras; y VIP emergentes, con 24 galerías y diez obras cada una producidas en los dos últimos años por nuevos artistas.
Las operaciones se pueden realizar a cualquier hora del día y de la noche, aunque en algunas galerías el horario está determinado por la franja horaria de su país.
Abrir nuevos mercados sin necesidad de viajar es la pretensión principal de este revolucionario certamen, alternativo a las ferias tradicionales -como ARCO, que se celebrará en Madrid del 16 al 20 de febrero-, y con el que galeristas y compradores pueden ahorrar costes.
Canarias7
Al certamen, que se celebrará desde el sábado 22 al 30 de enero, se podrá entrar como visitante de forma gratuita, mientras que si se pretende participar interactivamente y negociar con los galeristas, deberá comprarse una tarjeta de ingreso para toda la feria por 100 dólares, si se abona en los dos primeros días, o acceder a la última jornada por 20 dólares, según anunciaron los organizadores.
El propósito de la feria, organizada por el galerista neoyorquino James Cohan y en la que participarán las galerías estadounidenses Gagosian y David Zwirnre, las londinenses White Cube y Marlborough, y la berlinesa Max Hetzler -de un total de 139 galerías internacionales- es facilitar a los galeristas el máximo de comunicación e intercambio sin salir de sus sedes.
La plataforma que se usará para la VIP Art Fair estará dotada de alta tecnología, para difundir las obras con el máximo de precisión y en diversos formatos, acompañadas de la correspondiente documentación sobre su autor, incluida su cotización.
La feria, dirigida por el estadounidense Noah Horowitz, contactará por chat y skipe a los interesados en las distintas obras de arte expuestas, que pueden ser escrutadas con un potente zoom y en distintos formatos multimedia en tres dimensiones.
Los galeristas participantes, elegidos entre los mejores de todo el mundo, pagarán entre 5.000 y 20.000 dólares por participar en este evento virtual que difundirá su catálogo de artistas en todo el mundo.
Los galeristas, procedentes de treinta países, podrán mostrar sus piezas en tres salas diferentes: VIP premier, integrado por 91 galerías que presentan 20 obras como máximo; Enfoque VIP, con 24 galerías y ocho obras; y VIP emergentes, con 24 galerías y diez obras cada una producidas en los dos últimos años por nuevos artistas.
Las operaciones se pueden realizar a cualquier hora del día y de la noche, aunque en algunas galerías el horario está determinado por la franja horaria de su país.
Abrir nuevos mercados sin necesidad de viajar es la pretensión principal de este revolucionario certamen, alternativo a las ferias tradicionales -como ARCO, que se celebrará en Madrid del 16 al 20 de febrero-, y con el que galeristas y compradores pueden ahorrar costes.
Canarias7
2011/01/10
Francia abre una bolsa de valores para el arte
Una bolsa de valores para obras de arte abrió en París este lunes con el objetivo de atraer inversores dispuestos a comprar acciones de pinturas valuadas a precios fuera de alcance para la mayoría del público.
El proyecto, denominado Art Exchange, propondrá a personas de todo el mundo la posibilidad de adquirir a través de un sitio de internet apenas una porción del valor total de obras modernas de más de US$130.000. Esas acciones, a partir del equivalente a US$13 cada una, cotizarán en la web y su precio fluctuará según la oferta y demanda, como ocurre en las bolsas de valores convencionales.
El innovador proyecto podría abrir el mercado del arte a un público ajeno a él hasta ahora, pero ya despertó críticas de expertos, que creen que el arte es algo más que un simple producto financiero.
"Obras mayores"
"Se trata de una plaza financiera para las obras de arte", le dijo a BBC Mundo Pierre Naquin, el empresario de 26 años que encabeza A&F Markets, la compañía que lanzó el proyecto.Las obras en venta, de fines del siglo XIX en adelante, serán proporcionadas por algunas galerías de arte que decidieron participar en la iniciativa, pero también directamente por artistas.
"Todas las obras seleccionadas son obras mayores, de artistas reconocidos", afirmó Naquin y explicó que eso será una garantía para los inversores mientras comienza a funcionar y conocerse el esquema.
Una de las primeras obras que salió al mercado este lunes es un óleo sobre papel del fallecido artista estadounidense Sol LeWitt, titulado "Irregular Form" ("Forma irregular"), de 1998, valorado en US$142.000 y dividido en unas 11.000 acciones.
También cotiza en esta bolsa de valores una pieza del italiano Francesco Vezzoli, "The Premiere of a Play That Will Never Run", valuada en US$174.000.
Igualmente está previsto que se pongan en venta títulos de esculturas y fotografías.
Propiedades colectivas
Si el capital total recaudado mediante Art Exchange por una obra alcanza un valor determinado en determinado período, la transacción se concreta y la pieza "pertenecerá a todos los inversores", explicó Naquin."Lamentablemente, no van a poder colgarla en sus salas pero buscaremos que la obra esté visible, ya sea en las galerías con las que trabajamos o en museos", agregó.
En cambio, si las ventas son inferiores a 20% del total de las acciones, la pieza volverá a su propietario inicial, ya sea la galería o el artista.
El sitio cobrará una comisión de 0,5% sobre cada transacción, sea compra o venta.
Naquin espera que las inversiones superen rápidamente el equivalente a US$1,3 millones.
La empresa asegura que, además de las ganancias que puedan obtener con la compra y venta de acciones, los inversores podrán beneficiarse de las exenciones impositivas que hay en Francia para el mercado del arte.
"Otro canal"
En los últimos tiempos hubo proyectos de bancos e instituciones para incursionar en el mercado de arte con fondos colectivos, pero la idea de concebir una obra como una suma de acciones que cotizan es singular.Naquin cree que el proyecto aportará "transparencia" al mercado del arte y puede atraer desde inversores del mundo financiero hasta particulares interesados en el arte.
Sin embargo, otros dudan de que la idea pueda funcionar.
Anne Lahumière, ex presidenta del Comité Profesional de Galerías de Arte francesas, dijo que uno de los problemas es que los compradores de acciones que esperen una plusvalía ignorarán cuándo aumentará el valor de la obra.
Propietaria de una galería en París y experta en el mercado local de arte, Lahumière afirmó, además, que debe haber un placer y un conocimiento específico a la hora de invertir en una pintura o una escultura.
"Personalmente, yo compro una obra de arte porque pienso que es de un buen artista y me da placer tenerla en mis paredes", le dijo a BBC Mundo.
Pero Naquin aseguró que cualquiera que ponga dinero de su bolsillo en el trabajo de un artista determinado deberá al menos interesarse en lo que ese artista ha hecho.
"Las personas van a seguir comprando arte por placer; los coleccionistas van a seguir comprando obras en el mundo entero. Esto es otro canal de venta para otro público", sostuvo.
BBC Mundo
2010/12/31
Las redes sociales, integradas en el arte
El festival de arte STRP de Eindhoven, en Holanda, ha llevado a cabo una original experiencia con buenos resultados, introduciendo el concepto de las redes sociales en el campo artístico. Los asistentes se registraron con sus cuentas de Twitter o Facebook, o crearon perfiles en el entorno ofrecido por la organización, y compartieron sus valoraciones sobre las obras.
Antes de empezar el festival de arte STRP de Eindhoven, desde la organización se animaba a los asistentes a rellenar sus perfiles online describiéndose a sí mismos. También se les daba la opción de acceder con sus cuentas de Twitter o Facebook. Después se les asignó una RFID (radio frecuencia identificativa) que adoptó varios formatos, como brazaletes o tarjetas, que asociaron al perfil creado.
En la parte del festival que incluyó un espectáculo artístico, los asistentes pudieron visitar cualquiera de los 37 puestos que podían leer el RFID, para reconocer quiénes eran. Después fueron preguntados sobre las piezas de arte que había visto: ¿Cómo las describirían y cómo la puntuarían?
En caso de que los asistentes se hubieran registrado con sus cuentas de Twitter o Facebook, sus reseñas se publicarían directamente en la web, listas para compartirse con sus contactos. De esta manera se crea un entorno social en Internet alrededor de las exposiciones artísticas.
Reseñas para compartir
Estas descripciones pueden ir complementadas con etiquetas que se ofrecen automáticamente después de valorar cada obra, en función las palabras más repetidas en otras reseñas. Dependiendo de qué trabajos artísticos hayan sido mejor puntuados por el usuario, el entorno también ofrece recomendaciones de otras creaciones que podrían interesar al asistente.
2010/12/29
La Policía muestra las obras de arte robadas más buscadas
Óleos de Picasso, Matisse, Rembrandt, Velázquez, Van Gogh, Cezanne o Sorolla robados en todo el mundo figuran entre las obras de arte más buscadas por la Policía Nacional, que el miércoles difundió las imágenes de estos cuadros, algunos sustraídos hace 20 años.
Las obras, de un valor incalculable, se puede ver en el canal de la Policía en YouTube, www.youtube.com/policia. Figuran también en la base de datos de Interpol, lo que facilita la colaboración entre las policías de todo el mundo para intervenir en un mercado como el del arte que se mueve sin fronteras.
"Quizá tarden mucho tiempo en aflorar porque queman muchísimo", dijo el inspector jefe A. Tenorio en el vídeo policial. "En el momento en que se muevan es cuando podemos detectarlas"."Le pigeon aux petits pois", de Pablo Picasso, y "La pastorale", de Matisse, son dos de las más buscadas. Ambas fueron robadas en mayo de este año del Museo de Arte Moderno de París, junto con otros tres cuadros.
Este mismo año también se robó "El Santero de la Cofradía", de Joaquín Sorolla, sustraída de la casa museo Benlliure de Valencia o una obra de Toulouse Lautrec, "Lady with a Hat", en Italia.
La Brigada de Patrimonio Histórico de la Policía Nacional está también atenta al paradero de dos obras de Van Gogh: "Brooms and Red Poppies", sustraída en Giza (Egipto) y "View of the Sea at Scheveningen", robada en diciembre de 2002 del Museo que lleva el nombre del artista en Ámsterdam.
Además, los agentes continúan buscando cuatro obras robadas en agosto de 1989 en el Palacio Real de Madrid: "Dama desconocida" y "Mano", ambas de Velázquez, "San Carlos Borromeo", de Bayeau y "Retrato de dama", de Juan Carreño de Miranda.
Otra investigación que se remonta en el tiempo es la de "Storm on the Sea of Galilee", un lienzo de 1663 de Rembrant robado hace poco más de diez años en el museo Gardner de Boston con otras nueve obras maestras, valoradas en total en unos 250 millones de euros.
De todas maneras, establecer el valor económico de estos cuadros es muy difícil, según explica la Policía, ya que en el mercado negro podrían alcanzar un precio desorbitado. Sólo una de las piezas investigadas por los agentes, el óleo "Auvers Sur Oise", de Paul Cézanne, está valorado en 4,8 millones de euros. Este cuadro fue robado en enero de 2000 en el Museo Ashmolean de Oxford (Reino Unido).
La Brigada cuenta con una base de datos de obras de arte robadas, denominada Dulcinea, en el que hay registradas más de 8.000 pinturas, esculturas, tallas, elementos arquitectónicos o piezas arqueológicas
Yahoo!
2010/12/14
'iPhonografía', una nueva forma de hacer arte
A Jaime Ferreyros el iPhone le ha cambiado la vida. Hace poco más de un año su esposa le regaló el teléfono como regalo por el día del padre y desde entonces se ha convertido en mucho más que un aparato para comunicarse. Descubrió la 'iPhonografía' a través de un amigo y desde entonces no ha parado.
Y es que en poco tiempo y casi sin quererlo, sus fotos han sido expuestas en prestigiosas galerías de arte de Estados Unidos, y los blogeros más importantes del mundo le piden entrevistas. Incluso el propio Apple ya ha contactado con él para informarse sobre su obra. Así ha sido la transformación de este publicista peruano en uno de los pioneros en el arte de sacar fotos con el iPhone.
"La iPhonografía es el arte de sacar fotos con el iPhone y modificarlas con las aplicaciones del propio teléfono", nos comenta Jaime. "Si sacas la foto del teléfono y la manipulas con algún programa de tu computadora tipo 'photoshop', entonces los más puristas dicen que eso no está considerado como iPhonografía".
Lo que parece curiosos es que a los creadores del iPhone les ha pillado por sorpresa la magnitud que ha alcanzado este movimiento. "En principio era un pasatiempo más del teléfono, pero cuando vieron la calidad de las fotos y de los fotógrafos, se quedaron impresionados y empezaron a hacer eventos y exposiciones", nos comenta el artista peruano.
Jaime reconoce que no hay que ser ningún genio para ser un iPhonógrafo. "Una foto la puede tomar cualquiera, y los programas para manipular las fotos son muy fáciles de usar. Solo te digo que yo soy bastante desastre con la tecnología así que imagínate. Pero también te digo una cosa, hay que tener buen ojo y sacar buenas fotografías que tengan una historia detrás", asegura Ferreyros.
En las fotos de este 'iPhoneographer' peruano podemos encontrar todo tipo de instantáneas. "Hago fotos de cualquier cosa, desde una persona hasta una raspadura en el suelo. A veces me llama la atención algo en lo que nadie se fija".
De momento el artista afincado en Miami asegura no haber ganado más de 100 dólares por su trabajo con el Iphone, aunque el reconocimiento y su proyección internacional le han permitido embarcarse en algún que otro proyecto relacionado con sus fotos.
Lo cierto es que el número de 'Iphoneographers' está creciendo por todo el mundo, y se ha convertido en uno de los primeros movimientos artísticos asociados a una marca comercial, algo muy parecido a lo que pasó en los años ochenta con la llegada de la lomography.
No se pierdan nuestro vídeo en exclusiva en el que podrán ver el trabajo de uno de los pioneros de la Iphonographía.
El Mundo
Y es que en poco tiempo y casi sin quererlo, sus fotos han sido expuestas en prestigiosas galerías de arte de Estados Unidos, y los blogeros más importantes del mundo le piden entrevistas. Incluso el propio Apple ya ha contactado con él para informarse sobre su obra. Así ha sido la transformación de este publicista peruano en uno de los pioneros en el arte de sacar fotos con el iPhone.
"La iPhonografía es el arte de sacar fotos con el iPhone y modificarlas con las aplicaciones del propio teléfono", nos comenta Jaime. "Si sacas la foto del teléfono y la manipulas con algún programa de tu computadora tipo 'photoshop', entonces los más puristas dicen que eso no está considerado como iPhonografía".
Lo que parece curiosos es que a los creadores del iPhone les ha pillado por sorpresa la magnitud que ha alcanzado este movimiento. "En principio era un pasatiempo más del teléfono, pero cuando vieron la calidad de las fotos y de los fotógrafos, se quedaron impresionados y empezaron a hacer eventos y exposiciones", nos comenta el artista peruano.
Jaime reconoce que no hay que ser ningún genio para ser un iPhonógrafo. "Una foto la puede tomar cualquiera, y los programas para manipular las fotos son muy fáciles de usar. Solo te digo que yo soy bastante desastre con la tecnología así que imagínate. Pero también te digo una cosa, hay que tener buen ojo y sacar buenas fotografías que tengan una historia detrás", asegura Ferreyros.
En las fotos de este 'iPhoneographer' peruano podemos encontrar todo tipo de instantáneas. "Hago fotos de cualquier cosa, desde una persona hasta una raspadura en el suelo. A veces me llama la atención algo en lo que nadie se fija".
De momento el artista afincado en Miami asegura no haber ganado más de 100 dólares por su trabajo con el Iphone, aunque el reconocimiento y su proyección internacional le han permitido embarcarse en algún que otro proyecto relacionado con sus fotos.
Lo cierto es que el número de 'Iphoneographers' está creciendo por todo el mundo, y se ha convertido en uno de los primeros movimientos artísticos asociados a una marca comercial, algo muy parecido a lo que pasó en los años ochenta con la llegada de la lomography.
No se pierdan nuestro vídeo en exclusiva en el que podrán ver el trabajo de uno de los pioneros de la Iphonographía.
El Mundo
2010/12/06
El hombre biónico se acerca
Desde que se emplearon los primeros clavos para soldar huesos rotos, el mundo se ha ido robotizando y el robot humanizando. Robot, prótesis biónicas, ingeniería genética, vida artificial y entornos virtuales, donde los avatares simulan el ser humano. "El cuerpo es el campo de batalla", afirmaba en 1989 la artista alemana Barbara Kruger.
Sus palabras las confirma el creativo Fredrik Hjelmqvist, presidente de la empresa cultural de Estocolmo Pause Ljud & Bild, que ha decidido convertirse en una tocadiscos andante. "No se trata solo de una estrategia publicitaria. Queremos demostrar que cuando se crean sistemas de sonido a medida del usuario todo es posible", asegura Henrik Adenskog, mano derecha de Hjelmqvist.
Hjelmqvist se ha tragado una píldora, de considerables dimensiones, que contiene el reproductor musical inalámbrico más pequeño del mundo, el GutPod, con wifi, receptor de radio FM, diminutos amplificadores y seis pilas de botón en miniatura.
Si se encuentra por la calle con Hjelmqvist tiene la posibilidad de escuchar la música que surge de su ombligo, gracias a una conexión con Spotify.
Hjelmqvist no tiene previsto fabricar el artefacto en serie, pero quien quiera adquirir un ejemplar puede encargarlo y recibirlo al cabo de tres o cuatro semanas, por 12.000 euros.
Si el Jukebox Humano (www.thehumanjukebox.se) oscila entre el proyecto artístico y publicitario, la propuesta del iraquí, afincado en Estados Unidos, Wafaa Bilal se sitúa en la problemática social. Para realizar su nueva instalación The 3rd I (www.3rdi.me), el tercer ojo o el tercer yo, Bilal, docente de la Universidad de Nueva York, se está haciendo implantar una minicámara detrás de su cabeza.
A partir del 15 de diciembre, esta cámara retransmitirá todo lo que pasa a espaldas del artista, captando cada minuto una imagen, que será proyectada en tiempo real en la exposición Told Untold Retold, organizada por el Museo de Arte Moderno de Doha en Qatar. "The 3rd I plantea una reflexión sobre la inaccesibilidad del tiempo y la dificultad de capturar memoria y experiencia. Queríamos implantar la cámara en la frente, pero debido a la polémica sobre el derecho a la intimidad de los alumnos, hemos preferido colocarla en la nuca", explica Mahdis Keshavarz, portavoz del profesor, que se recupera del posoperatorio.
La cámara en la cabeza es un clásico de la ciencia-ficción y de las películas de culto como La muerte en directo, de Bertrand Tavernier, donde estaba implantada en los ojos. En el ámbito comercial, el investigador William Gerwin, financiado por Kodak, está desarrollando un prototipo de microtelecámara, que se puede colocar en la cabeza sin intervención quirúrgica.
Bilal, que se dio a conocer por sus polémicas instalaciones interactivas, llegó a autosegregarse en la galería FlatFile de Chicago para convertirse durante un mes en una diana humana a disposición de un público que podía dispararle bolas de pinturas presencialmente o a través de la web. No es el único ni el primero que se ha atrevido a incrustar interfaces tecnológicas en su cuerpo.
El brasileño Eduardo Kac es pionero del arte electrónico y de la experimentación sobre la fusión entre hombre y máquina. En 1997, Kac se implantó en la pantorrilla un chip de memoria, de los que se utilizan para identificar los animales; desde entonces sigue en su cuerpo y, además de llevar en su interior una información no biológica, invita a reflexionar sobre el significado de memoria y privacidad.
El más atrevido ha sido el artista de origen australiano Stelarc, precursor de la convergencia entre lo biológico y lo tecnológico, que a lo largo de su carrera ha experimentado con diversas prótesis mecánicas e implantes biónicos.
Hace unos años el artista integró a su cuerpo un tercer brazo mecánico y más recientemente se ha hecho implantar en un brazo una tercera oreja, cultivada a partir de sus propias células para evitar problemas de rechazo. Dicha oreja posee propiedades que en un futuro próximo permitirán utilizarla como un terminal inalámbrico y, por ejemplo, contestar a llamadas telefónicas acercando el brazo a la cabeza. El debate está servido.
El Pais
Sus palabras las confirma el creativo Fredrik Hjelmqvist, presidente de la empresa cultural de Estocolmo Pause Ljud & Bild, que ha decidido convertirse en una tocadiscos andante. "No se trata solo de una estrategia publicitaria. Queremos demostrar que cuando se crean sistemas de sonido a medida del usuario todo es posible", asegura Henrik Adenskog, mano derecha de Hjelmqvist.
Hjelmqvist se ha tragado una píldora, de considerables dimensiones, que contiene el reproductor musical inalámbrico más pequeño del mundo, el GutPod, con wifi, receptor de radio FM, diminutos amplificadores y seis pilas de botón en miniatura.
Si se encuentra por la calle con Hjelmqvist tiene la posibilidad de escuchar la música que surge de su ombligo, gracias a una conexión con Spotify.
Hjelmqvist no tiene previsto fabricar el artefacto en serie, pero quien quiera adquirir un ejemplar puede encargarlo y recibirlo al cabo de tres o cuatro semanas, por 12.000 euros.
Si el Jukebox Humano (www.thehumanjukebox.se) oscila entre el proyecto artístico y publicitario, la propuesta del iraquí, afincado en Estados Unidos, Wafaa Bilal se sitúa en la problemática social. Para realizar su nueva instalación The 3rd I (www.3rdi.me), el tercer ojo o el tercer yo, Bilal, docente de la Universidad de Nueva York, se está haciendo implantar una minicámara detrás de su cabeza.
A partir del 15 de diciembre, esta cámara retransmitirá todo lo que pasa a espaldas del artista, captando cada minuto una imagen, que será proyectada en tiempo real en la exposición Told Untold Retold, organizada por el Museo de Arte Moderno de Doha en Qatar. "The 3rd I plantea una reflexión sobre la inaccesibilidad del tiempo y la dificultad de capturar memoria y experiencia. Queríamos implantar la cámara en la frente, pero debido a la polémica sobre el derecho a la intimidad de los alumnos, hemos preferido colocarla en la nuca", explica Mahdis Keshavarz, portavoz del profesor, que se recupera del posoperatorio.
La cámara en la cabeza es un clásico de la ciencia-ficción y de las películas de culto como La muerte en directo, de Bertrand Tavernier, donde estaba implantada en los ojos. En el ámbito comercial, el investigador William Gerwin, financiado por Kodak, está desarrollando un prototipo de microtelecámara, que se puede colocar en la cabeza sin intervención quirúrgica.
Bilal, que se dio a conocer por sus polémicas instalaciones interactivas, llegó a autosegregarse en la galería FlatFile de Chicago para convertirse durante un mes en una diana humana a disposición de un público que podía dispararle bolas de pinturas presencialmente o a través de la web. No es el único ni el primero que se ha atrevido a incrustar interfaces tecnológicas en su cuerpo.
El brasileño Eduardo Kac es pionero del arte electrónico y de la experimentación sobre la fusión entre hombre y máquina. En 1997, Kac se implantó en la pantorrilla un chip de memoria, de los que se utilizan para identificar los animales; desde entonces sigue en su cuerpo y, además de llevar en su interior una información no biológica, invita a reflexionar sobre el significado de memoria y privacidad.
El más atrevido ha sido el artista de origen australiano Stelarc, precursor de la convergencia entre lo biológico y lo tecnológico, que a lo largo de su carrera ha experimentado con diversas prótesis mecánicas e implantes biónicos.
Hace unos años el artista integró a su cuerpo un tercer brazo mecánico y más recientemente se ha hecho implantar en un brazo una tercera oreja, cultivada a partir de sus propias células para evitar problemas de rechazo. Dicha oreja posee propiedades que en un futuro próximo permitirán utilizarla como un terminal inalámbrico y, por ejemplo, contestar a llamadas telefónicas acercando el brazo a la cabeza. El debate está servido.
El Pais
2010/11/15
Cuadros en el bolsillo
Si usted no pudo pujar por la Coca-Cola de Warhol, si ni siquiera le llega para un póster de Los girasoles de Van Gogh, no se preocupe. Hay alternativas. Buenas, bonitas y baratas (siempre que tengan un teléfono iPhone).
Como en su tiempo el teléfono o los walkie-talkie, el iPhone se ha convertido en otro lienzo para los artistas que buscan formas innovadoras y alternativas de llegar al público. El resultado de su creatividad son los proyectos de iPhone Art.
Para nostálgicos de los años setenta, es posible experimentar los asombrosos efectos de la mítica Dream machine, la escultura cinética que Brion Gysin creó en 1961 junto a William Burroughs, descargando gratuitamente la aplicación en la tienda virtual de Apple, el App Store.
Esta aplicación, que promete las mismas sensaciones de la lámpara estroboscópica original, ha sido realizada y distribuida con motivo de la retrospectiva de Gysin, pintor, performer, poeta y escritor, organizada por el New Museum de Nueva York, que se puede ver en el Instituto de Arte Contemporáneo de Villeurbanne / Rhône-Alpes, en Francia.
Entre las obras concebidas especialmente para el iPhone destaca Vanitas, una pieza minimalista de los artistas Auriea Harvey y Michael Samyn que, con el seudónimo de Tale of Tales, se dedican a la producción de videojuegos alternativos.
Según sus palabras, Vanitas es "un memento mori para manos digitales". Precio de la obra en App Store, 1,59 euros. A mitad de camino entre una naturaleza muerta y un pequeño gabinete de las maravillas, Vanitas es una experiencia visual y sonora de estética gótica, poblada de imágenes sugerentes y citas literarias (Rimbaud, Nietzsche, Sappho y Kundera, entre otros) que, en estos tiempos de crisis, nos recuerdan que "todo es vanidad".
"Es como un juguete espiritual. Lo tienes en el teléfono y, cuando estás deprimido, la contemplación de algo perecedero te ayuda a apreciar lo que tienes", aseguran los artistas, que acaban de recibir el premio del festival de videojuegos hóPLAY, organizado por el centro Alhóndiga de Bilbao, por su videojuego de horror The Path.
Surgido directamente de jacksonpollock.org, Random Pollock, el proyecto con el cual Miltos Manetas ganó en 2009 el premio popular de los Webby Awards, es la versión para iPhone y para la tableta iPad de una página web que hace un año convirtió millones de internautas en fans del influyente pintor americano, iniciador del expresionismo abstracto.
Así como Pollock descargaba su energía creadora en los action paintings (acciones en las que pintaba una tela en el suelo, vertiendo cubos de pintura y utilizando manos y pies), el internauta que descargue la aplicación gratuita Random Pollock podrán llevar a cabo relajantes action paintings digitales, a través de sus pantallas táctiles y además ¡sin mancharse!
También gratuita es la aplicación Serendipitor que, según su creador, Mark Shepard, proporciona "una navegación alternativa que te ayuda a encontrar algo distinto a lo que buscabas".
A diferencia de la obra convencional, la mayoría de las diseñadas para el iPhone cambian a gusto del propietario. Es el caso de PhiLia, de la austriaca Lia, que reacciona cuando se agita el teléfono, o las rutas de hormigas de Antograph, de Scott Snibbe, que se forman a partir de las líneas que el internauta traza en la pantalla; En castellano la obra se puede encontrar con el nombre de Hormígrafo, al precio de 0,79 euros.
Hay que estirarse algo más (3,99 euros) para conseguir Sonic wire scultures, de Amit Pitaru. En este caso es el propio dueño de la aplicación quien dibujará sobre la pantalla de su teléfono, y sus trazos se van transformando en composiciones musicales. En este caso, para apreciar el cuadro, se aconsejan auriculares.
El Pais
Como en su tiempo el teléfono o los walkie-talkie, el iPhone se ha convertido en otro lienzo para los artistas que buscan formas innovadoras y alternativas de llegar al público. El resultado de su creatividad son los proyectos de iPhone Art.
Para nostálgicos de los años setenta, es posible experimentar los asombrosos efectos de la mítica Dream machine, la escultura cinética que Brion Gysin creó en 1961 junto a William Burroughs, descargando gratuitamente la aplicación en la tienda virtual de Apple, el App Store.
Esta aplicación, que promete las mismas sensaciones de la lámpara estroboscópica original, ha sido realizada y distribuida con motivo de la retrospectiva de Gysin, pintor, performer, poeta y escritor, organizada por el New Museum de Nueva York, que se puede ver en el Instituto de Arte Contemporáneo de Villeurbanne / Rhône-Alpes, en Francia.
Entre las obras concebidas especialmente para el iPhone destaca Vanitas, una pieza minimalista de los artistas Auriea Harvey y Michael Samyn que, con el seudónimo de Tale of Tales, se dedican a la producción de videojuegos alternativos.
Según sus palabras, Vanitas es "un memento mori para manos digitales". Precio de la obra en App Store, 1,59 euros. A mitad de camino entre una naturaleza muerta y un pequeño gabinete de las maravillas, Vanitas es una experiencia visual y sonora de estética gótica, poblada de imágenes sugerentes y citas literarias (Rimbaud, Nietzsche, Sappho y Kundera, entre otros) que, en estos tiempos de crisis, nos recuerdan que "todo es vanidad".
"Es como un juguete espiritual. Lo tienes en el teléfono y, cuando estás deprimido, la contemplación de algo perecedero te ayuda a apreciar lo que tienes", aseguran los artistas, que acaban de recibir el premio del festival de videojuegos hóPLAY, organizado por el centro Alhóndiga de Bilbao, por su videojuego de horror The Path.
Surgido directamente de jacksonpollock.org, Random Pollock, el proyecto con el cual Miltos Manetas ganó en 2009 el premio popular de los Webby Awards, es la versión para iPhone y para la tableta iPad de una página web que hace un año convirtió millones de internautas en fans del influyente pintor americano, iniciador del expresionismo abstracto.
Así como Pollock descargaba su energía creadora en los action paintings (acciones en las que pintaba una tela en el suelo, vertiendo cubos de pintura y utilizando manos y pies), el internauta que descargue la aplicación gratuita Random Pollock podrán llevar a cabo relajantes action paintings digitales, a través de sus pantallas táctiles y además ¡sin mancharse!
También gratuita es la aplicación Serendipitor que, según su creador, Mark Shepard, proporciona "una navegación alternativa que te ayuda a encontrar algo distinto a lo que buscabas".
A diferencia de la obra convencional, la mayoría de las diseñadas para el iPhone cambian a gusto del propietario. Es el caso de PhiLia, de la austriaca Lia, que reacciona cuando se agita el teléfono, o las rutas de hormigas de Antograph, de Scott Snibbe, que se forman a partir de las líneas que el internauta traza en la pantalla; En castellano la obra se puede encontrar con el nombre de Hormígrafo, al precio de 0,79 euros.
Hay que estirarse algo más (3,99 euros) para conseguir Sonic wire scultures, de Amit Pitaru. En este caso es el propio dueño de la aplicación quien dibujará sobre la pantalla de su teléfono, y sus trazos se van transformando en composiciones musicales. En este caso, para apreciar el cuadro, se aconsejan auriculares.
El Pais
2010/10/25
Cuando las mucosas son arte
El Pais
¿Qué le parecería convertir un escupitajo propio en una obra de arte? En principio la propuesta suena a guarrada, pero el resultado puede ser un complemento curioso para decorar el salón de su casa.
Imagínese un laboratorio parecido al de la serie CSI a su servicio, pero sin crímenes de por medio. Esta es la propuesta de GeneticPhotos, una empresa pionera en España y que dice estar "orgullosa de presentar el ADN convertido en arte, combinando la elegancia, el arte contemporáneo, los últimos avances tecnológicos y el rigor de la ciencia", según palabras de Laura Soteres, directora de la compañía.
Los pasos son sencillos. Te metes en su página web y decides formato e información que quieres que contenga la imagen de tu ADN. Una vez decidido lo comunicas vía correo electrónico, lo que significa que GeneticPhotos te enviará un sobre conteniendo un par de bastoncillos y dos tubos de ensayo. Se frotan los bastoncillos contra la parte interior de las mejillas y se devuelven por correo a la dirección ya impresa en el sobre: es decir, el laboratorio. Allí, comienza el camino para que en el plazo de unas dos semanas puedas recoger el resultado.
Cada obra de arte es un ejemplar único puesto que nadie tiene el mismo perfil genético o huella genética de ADN. Este carácter único viene determinado por nuestros genes. Los genes no son sino largas secuencias escritas en un código que determinan las bases del ADN. Por eso, la obra estará inspirada en cada uno de nosotros que decidiremos a qué parte de la cadena genética queremos destacar.
Por ejemplo, en la obra de arte genética se podrá ver expresada alguna característica que predomine y se pueda leer en los genes como la predisposición para el deporte, las matemáticas, las relaciones sociales.
Para evitar suspicacias, Laura Soteres deja claro que todas las muestras que se reciben se tratan con un código alfanumérico. "Cuando recibimos un pedido, enviamos un kit de recolección de ADN identificado con dicho código, junto con la tarjeta de códigos de identificación según la obra de arte escogida. Nuestras obras de arte se entregan con un exclusivo certificado de autenticidad de GeneticPhotos. Para tener la total seguridad de que la obra de arte pertenece a tu muestra y a tu código alfanumérico, tu obra de arte irá identificada con el mismo código alfanumérico en el anverso o reverso de tu obra de arte, según el formato solicitado y el material que se elija y todos los profesionales involucrados en la creación de la obra de arte desconocen quién envió la muestra y trabajan exclusivamente con este código".
Los resultados son cuando menos curiosos. Unas obras que recuerdan por su sencillez y simplicidad a precursores del minimalismo como Mark Rothko o creadores del llamado arte repetitivo como Pablo Palazuelo. También se pueden realizar con códigos de colores o de letras y números. En cualquier caso, se trata de una nueva fusión entre tecnología y arte.
¿Qué le parecería convertir un escupitajo propio en una obra de arte? En principio la propuesta suena a guarrada, pero el resultado puede ser un complemento curioso para decorar el salón de su casa.
Imagínese un laboratorio parecido al de la serie CSI a su servicio, pero sin crímenes de por medio. Esta es la propuesta de GeneticPhotos, una empresa pionera en España y que dice estar "orgullosa de presentar el ADN convertido en arte, combinando la elegancia, el arte contemporáneo, los últimos avances tecnológicos y el rigor de la ciencia", según palabras de Laura Soteres, directora de la compañía.
Los pasos son sencillos. Te metes en su página web y decides formato e información que quieres que contenga la imagen de tu ADN. Una vez decidido lo comunicas vía correo electrónico, lo que significa que GeneticPhotos te enviará un sobre conteniendo un par de bastoncillos y dos tubos de ensayo. Se frotan los bastoncillos contra la parte interior de las mejillas y se devuelven por correo a la dirección ya impresa en el sobre: es decir, el laboratorio. Allí, comienza el camino para que en el plazo de unas dos semanas puedas recoger el resultado.
Cada obra de arte es un ejemplar único puesto que nadie tiene el mismo perfil genético o huella genética de ADN. Este carácter único viene determinado por nuestros genes. Los genes no son sino largas secuencias escritas en un código que determinan las bases del ADN. Por eso, la obra estará inspirada en cada uno de nosotros que decidiremos a qué parte de la cadena genética queremos destacar.
Por ejemplo, en la obra de arte genética se podrá ver expresada alguna característica que predomine y se pueda leer en los genes como la predisposición para el deporte, las matemáticas, las relaciones sociales.
Para evitar suspicacias, Laura Soteres deja claro que todas las muestras que se reciben se tratan con un código alfanumérico. "Cuando recibimos un pedido, enviamos un kit de recolección de ADN identificado con dicho código, junto con la tarjeta de códigos de identificación según la obra de arte escogida. Nuestras obras de arte se entregan con un exclusivo certificado de autenticidad de GeneticPhotos. Para tener la total seguridad de que la obra de arte pertenece a tu muestra y a tu código alfanumérico, tu obra de arte irá identificada con el mismo código alfanumérico en el anverso o reverso de tu obra de arte, según el formato solicitado y el material que se elija y todos los profesionales involucrados en la creación de la obra de arte desconocen quién envió la muestra y trabajan exclusivamente con este código".
Los resultados son cuando menos curiosos. Unas obras que recuerdan por su sencillez y simplicidad a precursores del minimalismo como Mark Rothko o creadores del llamado arte repetitivo como Pablo Palazuelo. También se pueden realizar con códigos de colores o de letras y números. En cualquier caso, se trata de una nueva fusión entre tecnología y arte.
2010/10/20
Una web muestra 20.000 obras de arte saqueadas por los nazis
Yahoo!
"La presunción general es que la mayor parte de estas cosas han sido devueltas, pero resulta que no es cierto", dijo a Reuters.
La organización, que pretende devolver arte robado por los nazis a sus propietarios originales, aconseja a museos, comerciantes de arte, casas de subastas y familias afectadas consultar el listado.
La base de datos incluye obras no restituidas de artistas como Claude Monet y Paul Cezanne, cuyos cuadros pueden recaudar millones de dólares en subastas de arte.
La Conferencia de Reclamaciones, o Conferencia de las Reclamaciones Materiales de los Judíos Contra Alemania, dijo que los 20.000 objetos registrados fueron tomados de más de 200 colecciones privadas judías en Francia y Bélgica ocupadas por los alemanes entre 1940 y 1944.
Un grupo especial de los nazis reunió cientos de miles de objetos de arte y millones de libros y archivos robados a judíos y otros, y también sustraídos de museos y bibliotecas.
En París, el grupo de trabajo documentó cada uno de más de 20.000 objetos en tarjetas de registro o listas de inventarios.
La Conferencia de Reclamaciones estima que el número total de obras de arte saqueadas por los nazis es de 650.000, de las cuales 100-200.000 siguen desaparecidas. Quiere complementar su nuevo recurso online con una iniciativa similar en Ucrania.
El tema de la restitución de arte robado por los nazis es aún sensible, y no es menor el alto valor de algunas de las obras en cuestión.
En 2006, Ronald S. Lauder pagó 135 millones de dólares por un retrato de Klimt de Adele Bloch-Bauer, a cuya sobrina otorgaron esta obra y otras cuatro tras una batalla de restitución con el Gobierno austríaco.
El acuerdo fue mediado por Christie's, que subastó las otras cuatro obras restantes por un total combinado de 192,7 millones de dólares.
En 2008, Sotheby's vendió obras restituidas por un valor de 90 millones de dólares, incluyendo un Kazimir Malevich de 60 millones de dólares devueltos a familiares del artista después de que un museo de Ámsterdam fuera obligado a entregarlo.
La base de datos puede encontrarse en www.claimscon.org/
Una nueva base de datos en Internet que registra más de 20.000 obras de arte saqueadas por los nazis en Francia y Bélgica durante la Segunda Guerra Mundial muestra que al menos la mitad aún deben ser devueltas a sus propietarios originales.
La página web, un proyecto conjunto entre la Conferencia de Reclamaciones con sede en Estados Unidos y el Museo Memorial del Holocausto de Estados Unidos, se basa en registros que los nazis realizaron en París, y está diseñada para facilitar búsquedas de arte por parte de familiares de los propietarios.
"Esto es probablemente lo más famoso del saqueo (nazi), y se hizo en París", dijo Wesley Fisher, director de investigación de la Conferencia de Reclamaciones."La presunción general es que la mayor parte de estas cosas han sido devueltas, pero resulta que no es cierto", dijo a Reuters.
La organización, que pretende devolver arte robado por los nazis a sus propietarios originales, aconseja a museos, comerciantes de arte, casas de subastas y familias afectadas consultar el listado.
La base de datos incluye obras no restituidas de artistas como Claude Monet y Paul Cezanne, cuyos cuadros pueden recaudar millones de dólares en subastas de arte.
La Conferencia de Reclamaciones, o Conferencia de las Reclamaciones Materiales de los Judíos Contra Alemania, dijo que los 20.000 objetos registrados fueron tomados de más de 200 colecciones privadas judías en Francia y Bélgica ocupadas por los alemanes entre 1940 y 1944.
Un grupo especial de los nazis reunió cientos de miles de objetos de arte y millones de libros y archivos robados a judíos y otros, y también sustraídos de museos y bibliotecas.
En París, el grupo de trabajo documentó cada uno de más de 20.000 objetos en tarjetas de registro o listas de inventarios.
La Conferencia de Reclamaciones estima que el número total de obras de arte saqueadas por los nazis es de 650.000, de las cuales 100-200.000 siguen desaparecidas. Quiere complementar su nuevo recurso online con una iniciativa similar en Ucrania.
El tema de la restitución de arte robado por los nazis es aún sensible, y no es menor el alto valor de algunas de las obras en cuestión.
En 2006, Ronald S. Lauder pagó 135 millones de dólares por un retrato de Klimt de Adele Bloch-Bauer, a cuya sobrina otorgaron esta obra y otras cuatro tras una batalla de restitución con el Gobierno austríaco.
El acuerdo fue mediado por Christie's, que subastó las otras cuatro obras restantes por un total combinado de 192,7 millones de dólares.
En 2008, Sotheby's vendió obras restituidas por un valor de 90 millones de dólares, incluyendo un Kazimir Malevich de 60 millones de dólares devueltos a familiares del artista después de que un museo de Ámsterdam fuera obligado a entregarlo.
La base de datos puede encontrarse en www.claimscon.org/
2010/10/18
Amazonia: arte para salvar al planeta
BBC Mundo
El Museo de Historia Natural de Londres fue construido para asemejarse arquitectónicamente a una catedral. Y entre sus setenta millones de especímenes, esta catedral de la vida dedica hasta diciembre una de sus salas a la Amazonía peruana.
Pero la belleza y la fragilidad de la selva amazónica llegan al museo no a traves de una muestra científica, sino de una exhibición de los artistas Lucy y Jorga Orta, quienes viajaron junto a investigadores a la zona de Madre de Dios, en el sureste peruano.
¿Por qué una de las instituciones científicas más prestigiosas del Reino Unido invita artistas a sus expediciones y dedica una sala al arte?
"Estamos tratando de llegar a la gente en formas nuevas. Y en esta época en que la biodiversidad está en crisis, es importante comunicar en forma positiva, con belleza, que a pesar de las dificultades es posible hacer algo", dijo a BBC Mundo Bergit Arends, curadora de la exhibición.
"Invitando artistas a nuestras expediciones, tratamos de que el público se relacione con los temas que estudiamos a nivel emocional. Buscamos la verdad en la ciencia, pero también hay verdad en las emociones y la intuición".
"Viajamos a la selva amazónica para experimentar la inmensidad y la grandeza de un organismo vivo y vulnerable. Encontramos que el bosque tropical es un hermoso oasis de diversidad, en un estado de crisis", dijo a BBC Mundo Lucy Orta.
Los artistas comunican esa belleza y vulnerabilidad en formas diferentes. En su viaje a la selva, fotografiaron "todas las flores que veíamos, hasta las más minúsculas". En la muestra se ven desde fotos hasta textiles que reproducen la compleja anatomía de las flores y dibujos pintados sobre moldes de huesos de dinosaurio de las colecciones del museo.
"Así como desaparecieron los dinosaurios, también hoy, especies que ni siquiera han sido descubiertas, están desapareciendo cada día, señala Lucy Orta.
La interconexión de especies y su frágil superviviencia se perciben en la escultura "Unidad de Intervención Fluvial Madre de Dios", un bote en el que decenas de pequeños animalitos son reflejados al infinito por espejos, mientras se escucha la voz de Gaia, la Tierra, en un poema de Mario Petrucci.
"Hemos decidido hace muchos años llevar adelante en todo tipo de obras de arte plástica reflexiones sobre temas vitales de la época en que vivimos", dijo a BBC Mundo Jorge Orta.
"Se trata de posicionarnos frente al mundo en que vivimos como actores, no como espectadores, no aceptando poblemáticas aunque sean catastróficas como simples hechos irreversibles, sino en la actitud que definimos en un manifiesto como 'arte catalizador', en el que mostramos la capacidad de enfrentar esas situaciones para transformarlas".
En el pasado, los artistas trabajaron con temas como la donación de órganos, la Antártida y el agua. "Desde hace mas de 15 años hemos decidido afrontar nuestro arte a traves de largos procesos de trabajo y reflexión, lo que nos lleva a realizar una obra sobre cinco a diez años mínimo. Para tener un discurso coherente con cierta profunidad es necesario pasar tiempo conociendo el tema, contactando gente ... esto no se puede hacer en un periquete".
En 2010, el Año de la Biodiversidad, la muestra en el Museo de Historia Natural aporta una reflexión con un ángulo diferente.
¿Puede el arte ayudar a salvar el planeta? En mi experiencia, ciertamente puede hacernos despertar en formas nuevas a temas tratados por la ciencia. Después de recorrer la muestra durante algunos minutos, los sonidos, los colores y la diversidad de la selva inician su propio diálogo con las emociones. Y uno se va diferente a como llegó. Cuando se las escucha, la belleza y la fragilidad de la selva amazónica transforman.
El Museo de Historia Natural de Londres fue construido para asemejarse arquitectónicamente a una catedral. Y entre sus setenta millones de especímenes, esta catedral de la vida dedica hasta diciembre una de sus salas a la Amazonía peruana.
Pero la belleza y la fragilidad de la selva amazónica llegan al museo no a traves de una muestra científica, sino de una exhibición de los artistas Lucy y Jorga Orta, quienes viajaron junto a investigadores a la zona de Madre de Dios, en el sureste peruano.
¿Por qué una de las instituciones científicas más prestigiosas del Reino Unido invita artistas a sus expediciones y dedica una sala al arte?
"Estamos tratando de llegar a la gente en formas nuevas. Y en esta época en que la biodiversidad está en crisis, es importante comunicar en forma positiva, con belleza, que a pesar de las dificultades es posible hacer algo", dijo a BBC Mundo Bergit Arends, curadora de la exhibición.
"Invitando artistas a nuestras expediciones, tratamos de que el público se relacione con los temas que estudiamos a nivel emocional. Buscamos la verdad en la ciencia, pero también hay verdad en las emociones y la intuición".
Frágil supervivencia
El poder del arte para comunicar la importancia de la biodiversidad queda claro al recorrer la muestra, que va más allá de la Amazonía peruana."Viajamos a la selva amazónica para experimentar la inmensidad y la grandeza de un organismo vivo y vulnerable. Encontramos que el bosque tropical es un hermoso oasis de diversidad, en un estado de crisis", dijo a BBC Mundo Lucy Orta.
Los artistas comunican esa belleza y vulnerabilidad en formas diferentes. En su viaje a la selva, fotografiaron "todas las flores que veíamos, hasta las más minúsculas". En la muestra se ven desde fotos hasta textiles que reproducen la compleja anatomía de las flores y dibujos pintados sobre moldes de huesos de dinosaurio de las colecciones del museo.
"Así como desaparecieron los dinosaurios, también hoy, especies que ni siquiera han sido descubiertas, están desapareciendo cada día, señala Lucy Orta.
La interconexión de especies y su frágil superviviencia se perciben en la escultura "Unidad de Intervención Fluvial Madre de Dios", un bote en el que decenas de pequeños animalitos son reflejados al infinito por espejos, mientras se escucha la voz de Gaia, la Tierra, en un poema de Mario Petrucci.
Arte catalizador
La exhibición es también un llamado a la acción. En otra parte de la muestra, "Amazonia perpetua", el público puede llevarse simbólicamente una parte de la selva amazónica. A cambio de un poster en el que se ven flores de la selva con sus exactas coordenadas geográficas, los visitantes son invitados a realizar donaciones para trabajos de conservación."Hemos decidido hace muchos años llevar adelante en todo tipo de obras de arte plástica reflexiones sobre temas vitales de la época en que vivimos", dijo a BBC Mundo Jorge Orta.
"Se trata de posicionarnos frente al mundo en que vivimos como actores, no como espectadores, no aceptando poblemáticas aunque sean catastróficas como simples hechos irreversibles, sino en la actitud que definimos en un manifiesto como 'arte catalizador', en el que mostramos la capacidad de enfrentar esas situaciones para transformarlas".
En el pasado, los artistas trabajaron con temas como la donación de órganos, la Antártida y el agua. "Desde hace mas de 15 años hemos decidido afrontar nuestro arte a traves de largos procesos de trabajo y reflexión, lo que nos lleva a realizar una obra sobre cinco a diez años mínimo. Para tener un discurso coherente con cierta profunidad es necesario pasar tiempo conociendo el tema, contactando gente ... esto no se puede hacer en un periquete".
En 2010, el Año de la Biodiversidad, la muestra en el Museo de Historia Natural aporta una reflexión con un ángulo diferente.
¿Puede el arte ayudar a salvar el planeta? En mi experiencia, ciertamente puede hacernos despertar en formas nuevas a temas tratados por la ciencia. Después de recorrer la muestra durante algunos minutos, los sonidos, los colores y la diversidad de la selva inician su propio diálogo con las emociones. Y uno se va diferente a como llegó. Cuando se las escucha, la belleza y la fragilidad de la selva amazónica transforman.
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